scoppio in gola.

Megadeth | Rust In Peace (1990)

2010-07-09T18:14:00.005-03:00

O início da carreira do Megadeth caracterizou-se por mudanças na formação da banda e completa imprevisibilidade. Depois de ter sido expulso do Metallica por uso de drogas, o guitarrista e cantor Dave Mustaine estreou a sua nova formação de thrash em 1985 com Killing Is My Business... And Business Is Good!. Em seguida veio o clássico underground Peace Sells... But Who's Buying?, seguido pelo desolador So Far, So Good... So What!.Enquanto isso, o Metallica havia se tornado o maior nome do metal, chegando mesmo a ganhar um Grammy.

O quarto álbum do Megadeth trazia a terceira formação do grupo, com Mustaine e o baixista e membro fundador Dave Ellefson reunidos com o guitarrista Marty Friedman e o baterista Nick Menza. O quarteto rejuvenescido tocava agora com maior rapidez e precisão do que nunca.

A maior novidade, contudo, foi a melhoria nas composições de seu líder. As nove músicas deste disco são originais dinâmicos, com riffs sofisticados, ganchos irresistíveis e letras que evitam tanto o satanismo do death/black metal quanto a vulgaridade do rock machista.

A faixa-título protesta contra as armas nucleares e "Holy Wars... The Punishment Due" faz um comentário sarcástico sobre a intolerância religiosa. "Hangar 18" foi inspirada pelo suposto acobertamento do caso Roswell.

O álbum alcançou o vigésimo terceiro lugar na parada da Billboard e é considerado um dos melhores discos da era do speed metal. Depois do triunfo do grunge, o Megadeth e o Metallica adotaram um estilo mais tradicional de rock pesado em andamento mais moderado. (Manish Agarwal)

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01. Holy Wars... The Punishment Due (Mustaine)
02. Hangar 18 (Mustaine)
03. Take No Prisoners (Mustaine)
04. Five Magics (Mustaine, Friedman)
05. Poison Was The Cure (Mustaine)
06. Lucretia (Mustaine, Ellefson)
07. Tornado Of Souls (Mustaine, Ellefson, Friedman)
08. Dawn Patrol (Mustaine, Ellefson)
09. Rust In Peace... Polaris (Mustaine)

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Sufjan Stevens | Illinois (2005)

2010-07-09T17:34:00.005-03:00

Este é o quinto disco de Sufjan Stevens e o segundo em seu estonteante panorama musical dos 50 estados da América do Norte, que começou com seu estado natal, Michigan. É uma obra de escopo tão grandioso que foi preciso lutar para fazer com que tudo coubesse em um único CD. Na verdade, havia tanto material que pouco depois foi lançado The Avalanche, um álbum só com os takes suprimidos e versões alternativas.

As 22 faixas aqui incluídas são uma visão geral charmosa das pessoas, lugares e história do Estado de Illinois, e as fábulas de Stevens sobre um cotidiano muitas vezes sombrio lembram as canções narradas de Harry Smith. A delicada "Casimir Pulaski Day" fala sobre momentos fugidios com uma garota amada que está morrendo de leucemia. A elegíaca "John Wayne Gacy Jr.', uma ode ao assassino em série nascido em Chicago, está centrada na infância do assassino e é assustadora.

A maior parte do disco, contudo, é alegremente melódica e possui arranjos suntuosos. Cordas, corais, um órgão Wurlitzer, um flugelhorn e sininhos podem ser ouvidos no mix final, em sua maioria tocados pelo próprio Sufjan. Suas influências vão do folk a Rodgers & Hammerstein, do minimalismo ao rock alternativo e além. Se tudo isso lhe soa como impossível de ouvir, não tema — a pegada sutil de Stevens faz com que cada música seja tão cativante e alegre quanto o tema de um seriado de TV.

Quando foi lançado, Illinois recebeu a aclamação da crítica, algo certamente merecido. Compor, produzir e tocar um disco conceitual de 22 faixas não é para qualquer um. (Theunis Bates)

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01. Concerning The UFO Sighting Near Highland, Illinois (Stevens)
02. The Black Hawk War, Or, How To Demolish An Entire Civilization And Still Feel Good About Yourself In The Morning, Or, We Apologize For The Inconvenience But You're Going To Have To Leave Now, Or, 'I Have Fought The Big Knives And Will Continue To Fight Them Until They Are Off Our Lands! (Stevens)
03. Come On! Feel The Illinoise! (Stevens)
04. John Wayne Gacy, Jr. (Stevens)
05. Jacksonville (Stevens)
06. A Short Reprise For Mary Todd, Who Went Insane, But For Very Good Reasons (Stevens)
07. Decatur, Or, Round Of Applause For Your Stepmother! (Stevens)
08. One Last 'Whoo-Hoo!' For The Pullman (Stevens)
09. Chicago (Stevens)
10. Casimir Pulaski Day (Stevens)
11. To The Workers Of The Rock River Valley Region, I Have An Idea Concerning Your Predicament (Stevens)
12. The Man Of Metropolis Steals Our Hearts (Stevens)
13. Prairie Fire That Wanders About (Stevens)
14. A Conjunction Of Drones Simulating The Way In Which Sufjan Stevens Has An Existential Crisis In The Great Godfrey Maze (Stevens)
15. The Predatory Wasp Of The Palisades Is Out To Get Us! (Stevens)
16. They Are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come Back From The Dead!! Ahhhh! (Stevens)
17. Let's Hear That String Part Again, Because I Don't Think They Heard It All The Way Out In Bushnell (Stevens)
18. In This Temple As In The Hearts Of Man For Whom He Saved The Earth (Stevens)
19. The Seer's Tower (Stevens)
20. The Tallest Man, The Broadest Shoulders (Stevens)
21. Riffs And Variations On A Single Note For Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, And The King Of Swing, To Name A Few (Stevens)
22. Out Of Egypt, Into The Great Laugh Of Mankind, And I Shake The Dirt From My Sandals As I Run (Stevens)

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Arcade Fire | Neon Bible (2007)

2010-02-28T15:18:00.002-03:00

No cenário da música atual — onde marketing, fofocas sobre celebridades e publicidade de grandes marcas sobrecarregam as páginas da imprensa especializada — não é surpresa que os ouvintes ávidos por música com conteúdo estejam procurando algo além do círculo convencional de novas bandas quentes com seus remixes dançantes e vocalistas que também trabalham como modelos. O Canadá pode não ser o primeiro lugar onde procuram, mas a música do Arcade Fire é cheia de significado e de simbolismo.

Felizmente para os seus fãs, contudo, eles não se esqueceram de que a prioridade de uma banda de rock é fazer rock, e a filosofia de botequim de Neon Bible está extremamente ligada a músicas tocadas com atitude e acompanhadas com paixão pela platéia. Não sendo nunca previsível, Neon Bible tem cordas, metais, uma harpa e um coral gospel ao longo de 11 músicas que certamente irão lotar estádios nos próximo anos. O riff mais pesado aqui é tocado num órgão de igreja e não numa guitarra Fender ("Intervention").

O álbum de estréia, Funeral, recebeu aplausos do U2 — que ofereceu à banda o show de abertura — e de David Bowie, que se uniu a eles no palco para tocar. Obviamente, Bono e Bowie irão adorar Neon Bible, que pode muito bem ser o melhor "segundo disco" da década.

Na faixa-título, o Arcade Fire induz o ouvinte a "tomar o veneno da sua idade", como líderes de uma seita oferecendo um último refúgio contra as massas alienadas. Se a música "marqueteira" sem conteúdo é o veneno, este álbum é o antídoto. (Theunis Bates)

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01. Black Mirror (Arcade Fire)
02. Keep The Car Running (Arcade Fire)
03. Neon Bible (Arcade Fire)
04. Intervention (Arcade Fire)
05. Black Wave/Bad Vibrations (Arcade Fire)
06. Ocean Of Noise (Arcade Fire)
07. The Well And The Lighthouse (Arcade Fire)
08. (Antichrist Television Blues) (Arcade Fire)
09. Windowsill (Arcade Fire)
10. No Cars Go (Arcade Fire)
11. My Body Is A Cage (Arcade Fire)

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Gorillaz | Gorillaz (2001)

2010-02-28T00:58:00.004-03:00

Coisas bizarras aconteceram no mundo da música em 2001. O Tool levou a matemática do metal ao topo das paradas. Mariah Carey tirou a roupa em Total Request Live. E excêntricos personagens de desenho animado ganharam um disco de platina.

Concebido por Damon Albarn, do Blur, e por Jamie Howlett, criador da HQ Tank Girl, o Gorillaz é formado por 2D, um garoto descolado, pelo baixista dentuço Murdoc, a fria e misteriosa Noodle e pelo prodígio do hip-hop Russell. Apareceram com uma biografia bizarra, apoiada na iconografia dos filmes de terror (daí o "Dracula" na versão americana). Por trás das imagens, há o eclético produtor Dan The Automator, Tina Weymouth (sua banda Tom Tom Club provavelmente faz parte da árvore genealógica do Gorillaz), o DJ canadense Kid Koala e o veterano cantor cubano Ibrahim Ferrer.

A receita do seu sucesso foi, sem dúvida, Del Tha Funkee Homosapien (seu disco, I Wish My Brother George Was Here, produzido por seu primo Ice Cube, é imprescindível para quem gosta de humor misturado com hip-hop). O rap sinistro de Del ajudou a transformar em hits músicas como "Clint Eastwood" e "Rock The House" e levou o Gorillaz a formar parcerias com Redman e com os protegidos de Eminem, o D12.

Entre as faixas de fácil audição aparecem alguns flertes com o dub reggae e o punk, que têm seu melhor exempo em Think Tank, do Blur, apesar de "Slow Country" ser uma das melhores composições de Albarn. Já "M1 A1" é um pastiche poderoso de "Roadrunner", de Jonathan Richman.

O melhor mesmo é curtir o Gorillaz em DVD (Gorillaz Phase One: Celebrity Take Down) ou na internet (www.gorillaz.com). Contudo, este álbum — que se manteve nas paradas dos Estados Unidos e da Inglaterra durante um ano inteiro — é um passaporte para a turnê do mistério musical. (Bruno MacDonald)

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01. Re-Hash (Albarn, Hewlett)
02. 5/4 (Albarn, Hewlett)
03. Tomorrow Comes Today (Albarn, Hewlett)
04. New Genious (Brother) (Albarn, Hewlett, Brown)
05. Clint Eastwood (Albarn, Hewlett, Jones)
06. Man Research (Clapper) (Albarn, Hewlett)
07. Punk (Albarn, Hewlett)
08. Sound Check (Gravity) (Albarn, Hewlett)
09. Double Bass (Albarn, Hewlett)
10. Rock The House (Albarn, Hewlett, Dankworth, Jones, Nakamura)
11. 19-2000 (Albarn, Hewlett)
12. Latin Simone (¿Qué Pasa Contigo?) (Albarn, Hewlett, Villa)
13. Starshine (Albarn, Hewlett)
14. Slow Country (Albarn, Hewlett)
15. M1 A1 (Albarn, Hewlett)
16. Dracula (Albarn, Hewlett)
17. Left Hand Suzuki Method (Albarn, Hewlett)

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The Jimi Hendrix Experience | Axis: Bold As Love (1967)

2010-02-28T00:32:00.002-03:00

Com a possível exceção do Cream, The Jimi Hendrix Experience era o melhor trio de rock do mundo. Enquanto sua fama como músicos e improvisadores extraordinários garantia ao grupo um enorme reconhecimento, a constante pressão para que fizessem turnês e gravassem discos depois do álbum de estréia, Are You Experienced, fez com que Axis: Bold As Love fosse lançado às pressas, antes de estar relamnente pronto. Apesar disso, não se discutem — mesmo passadas quatro décadas — as impetuosas e cintilantes canções do disco, o controle que Jimi e seus companheiros tinham das tecnologias de estúdio à sua disposição e a beleza lírica da guitarra de Hendrix.

"Spanish Castle Magic" e sua melodia em espiral, a estrutura vai-e-volta de "If 6 Was 9", a doce "Castles Made Of Sand" e a simplicidade de "She's So Fine", do baixista Noel Redding, são pontos altos do disco — mas a melhor mísica, para muitos, é a perturbadora "Little Wing". Com sua mistura perfeita de guitarras principal e rítmica (as primeiras linhas melódicas da canção embaralharam para sempre esses dois papéis), "Little Wing" é pura beleza e foi regravada várias vezes desde então por artistas como Sting e Metallica.

A produção de Axis, no melhor estilo de 1967, é soberba. Jimi nunca soou tão vulnerável e acessível, tanto vocal como instrumentalmente, enquanto a batida de Mitch Mitchell e as sólidas linhas de baixo de Redding compunham um ritmo definitivo da época — sem desmerecer, claro, Jack Bruce e Ginger Baker, seus únicos rivais em muitos aspectos. (Joel McIver)

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01. EXP (Hendrix)
02. Up From The Skies (Hendrix)
03. Spanish Castle Magic (Hendrix)
04. Wait Until Tomorrow (Hendrix)
05. Ain't No Telling (Hendrix)
06. Little Wing (Hendrix)
07. If 6 Was 9 (Hendrix)
08. You Got Me Floatin' (Hendrix)
09. Castles Made Of Sand (Hendrix)
10. She's So Fine (Redding)
11. One Rainy WIsh (Hendrix)
12. Little Miss Lover (Hendrix)
13. Bold As Love (Hendrix)

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Prince | 1999 (1982)

2010-02-27T17:49:00.002-03:00

"Masturbando-se com uma revista?" É difícil acreditar que esse pequeno trecho picante retirado de "Darling Nikki" tenha dado origem à campanha do "Parental Advisory" (aviso de conteúdo explícito) nos Estados Unidos.

Até agora, tudo Prince: ninguém que tenha ouvido Dirty Mind, dos anos 80, se surpreenderia. A verdadeira revelação de 1999 foi Prince ter roubado descaradamente elementos de outros artistas, reunindo-os em uma alquimia que se tornaria o seu próprio modelo. Os ritmos seqüenciados e as vozes processadas eletronicamente não estão muito distantes de The Electric Spanking Of War Babies, do Funkadelic, mas Prince tinha músicas à altura dessa trapaça sonora.

A guerra é ganha naquilo que costumava ser o lado A. Se houver, na história do rock n' soul, uma abertura tão impressionante quando a de "1999", "Little Red Corvette" e "Delirious", certamente está guardada a sete chaves em um arquivo vigiado por um leopardo.

Mas não vamos correr em direção aos tesouros escondidos. "Automatic" seria o som do Kraftwerk se eles deixassem as bicicletas de lado e fossem fazer sexo. "Lady Cab Driver" é um funk contagiante e extremamente sedutor. "Free" é uma música mais leve que prenuncia "Purple Rain". "D.M.S.R." é um romance sexual em ritmo de disco music. "International Lover" é uma paródia esplêndida e perspicaz.

A cópia exata de Janet Jackson, Control, nos diz muito sobre o impacto de 1999 — um legado hoje mantido pelo The Neptunes. E, diabos, na capa interna Prince consegue manter uma aparência cool mesmo estando nu em meio a luzes néon. Um grande talento. (Bruno MacDonald)

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01. 1999 (Prince)
02. Little Red Corvette (Prince)
03. Delirious (Prince)
04. Let's Pretend We're Married (Prince)
05. D.M.S.R. (Prince)
06. Automatic (Prince)
07. Something In The Water (Does Not Compute) (Prince)
08. Free (Prince)
09. Lady Cab Driver (Prince)
10. All The Critics Love U In New York (Prince)
11. International Lover (Prince)

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Limp Bizkit | Chocolate Starfish And The Hot Dog Flavored Water (2000)

2010-02-27T17:15:00.003-03:00

Apesar de o movimento nu-metal afinal ter se tornado alvo de controvérsias — em grande parte devido às letras das músicas —, no início de 2000 estava no auge, era poderoso e comercialmente bem-sucedido. Na linha de frete do rap/metal estava a banda americana Limp Bizkit, encabeçada pelo combativo vocalista (e portanto líder ideal) Fred Durst. Chocolate Starfish... foi lançado no momento mais alto da fama do Limp Bizkit. O seu álbum anterior, Significant Other, tinha conseguido chamar a atenção do mundo da música em grande parte devido às letras semi-analfabetas porém eficazes de Durst, que giravam em torno de uma juventude descontente (ver o toque de sarcasmo no título do álbum).

Chocolate Starfish... obteve um enorme êxito comercial, gerando singles muito populares como "My Generation", "Rollin'" — primeiro lugar na Grã-Bretanha — e "Take A Look Around" (da trilha sonora de Missão Impossível 2). Os críticos ficaram impressionados com a forma pela qual o som mais rude dos álbuns anteriores da banda tinha sido transformado numa combinação habilmente produzida de metal, funk, rap e um rock simples e eficaz. Os muitos fãs do Limp Bizkit compraram o disco em massa, ainda que somente na letra de "Hot Dog" a palavra fuck já aparecesse 36 vezes, tornando inevitáveis os protestos dos mais conservadores.

O álbum ficou ainda melhor devido à participação dos rappers Redman, Method Man, Xzibit e DMX, além do ator Ben Stiller e do ex-vocalista do Stone Temple Pilots, Scott Weiland, que também participou da produção. (Emily Kelly)

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01. Intro (Durst, Borland, Otto, Rivers)
02. Hot Dog (Durst, Borland, Otto, Rivers)
03. My Generation (Durst, Borland, Otto, Rivers)
04. Full Nelson (Durst, Borland, Otto, Rivers)
05. My Way (Durst, Borland, Otto, Rivers)
06. Rollin' (Air Raid Vehicle) (Durst, Borland, Otto, Rivers)
07. Livin' It Up (Durst, Borland, Otto, Rivers)
08. The One (Durst, Borland, Otto, Rivers)
09. Getcha Groove On (Durst, Borland, Otto, Rivers)
10. Take A Look Around (Durst, Borland, Otto, Rivers)
11. It'll Be OK (Durst, Borland, Otto, Rivers)
12. Boiler (Durst, Borland, Otto, Rivers)
13. Hold On (Durst, Borland, Otto, Rivers)
14. Rollin' (Urban Assault Vehicle) (Durst, Borland, Otto, Rivers)
15. Outro (Durst, Borland, Otto, Rivers)

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U2 | All That You Can't Leave Behind (2000)

2010-02-27T15:09:00.005-03:00

Com All That You Can't Leave Behind, os irlandeses do U2 consolidaram o seu lugar no topo da hierarquia do rock. Seu décimo álbum de estúdio foi concebido após o tom pseudodecadente de Pop e de Zooropa e o glam-rock dançante do inesperado Achtung Baby. Adotando uma abordagem mais simples, este álbum descarta a experimentação eletrônica em favor de uma instrumentação básica e de um conteúdo lírico com apelo universal. Foi o disco que simultaneamente relançou a banda como uma força artística contemporânea e apresentou o líder Bono como um dos letristas que melhor articulam suas emoções.

All That You Can't Leave Behind é um trabalho de dimensões épicas e não um mero disco de transição: "Pensamos ter composto 11 singles para este álbum", comentou Bono. Com um toque menos messiânico do que o material gravado pelo U2 nos anos 90, o impressionante sucesso internacional deste disco ganhou uma dimensão ainda maior após o 11 de Setembro — "Walk On" converteu-se num hino de resistência para os que ficaram aterrorizados com os ataques ao World Trade Center. "Beautiful Day" é uma canção explosiva de um otimismo exuberante, enquanto "Kite", escrita para o pai de Bono, que estava morrendo, refere-se às dificuldades da vida privada ofuscadas por trás do brilho da fama. É bela em sua simplicidade.

Em 2002, este disco ganhou o Grammy de Melhor Álbum de Rock, e as faixas "Walk On", "Elevation" e "Stuck In A Moment..." receberam prêmios em suas respectivas categorias. Antes das nomeações para o Grammy, Bono brincou sobre "voltar a candidatar-se ao emprego de primeiro das paradas". Parece que o currículo do rapaz foi aceito. (Sarah Norman)

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01. Beautiful Day (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
02. Stuck In A Moment You Can't Get Out Of (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
03. Elevation (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
04. Walk On (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
05. Kite (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
06. In A Little While (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
07. Wild Honey (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
08. Peace On Earth (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
09. When I Look At The World (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
10. New York (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)
11. Grace (Hewson, Clayton, Evans, Mullen)

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R.E.M. | Green (1988)

2010-02-27T14:14:00.003-03:00

Um frenesi de cobertura da mídia em relação às condições climáticas fez com que meados de 1988 passassem a ser apelidados de "greenhouse summer" (verão estufa). Em novembro do mesmo ano, o R.E.M. lançou o seu sexto álbum de estúdio. O seu título demonstrava as novas preocupações sociais da esquerda liberal e a música elevou este quarteto a um nível de sucesso capaz de lotar estádios. E, apesar de todos os acordes e refrões energéticos, o hábil bandolim de Peter Buck ainda pode ser ouvido em três notáveis baladas.

A mensagem de Green fica evidente logo na capa, onde folhagem, anéis de árvores e postes telegráficos competem entre si. O fundo é manchado de laranja — uma referência ao agente químico Agent Orange usado pelas forças dos Estados Unidos no Vietnã para arrasar um terço da cobertura florestal daquele país. A referência continua na música "Orange Crush".

As preocupações ecológicas também estão presentes no misterioso "I Remember California". É uma visão estranha da costa ocidental que menciona carcajus, submarinos Trident e engarrafamentos de trânsito antes de fechar com os versos um pouco herméticos: "At the end of the continent/At the edge of the continent" ("No final do continente/Na extremidade do continente"). Em seguida vem o single "Stand", com seu verso melancólico, "If wishes were trees, the trees would be falling" ("Se desejos fossem árvores, as árvores estariam caindo").

Ainda que a turnê seguinte do R.E.M. tenha promovido o Greenpeace e a Anistia Internacional, Green não é um manifesto político em forma de rock. Em "World Leader Pretend" as preocupações de Stipe são expressas na primeira pessoa e "Turn You Inside Out" fala de seus embates com os dilemas da fama.

"O R.E.M. é a melhor banda do mundo?" — perguntou Andy Gill, fazendo uma resenha deste álbum na revista Q. Ele decidiu que sim, e milhões de pessoas concordaram. (Gareth Thompson)

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01. Pop Song 89 (Stipe, Berry, Buck, Mills)
02. Get Up (Stipe, Berry, Buck, Mills)
03. You Are The Everything (Stipe, Berry, Buck, Mills)
04. Stand (Stipe, Berry, Buck, Mills)
05. World Leader Pretend (Stipe, Berry, Buck, Mills)
06. The Wrong Child (Stipe, Berry, Buck, Mills)
07. Orange Crush (Stipe, Berry, Buck, Mills)
08. Turn You Inside-Out (Stipe, Berry, Buck, Mills)
09. Hairshirt (Stipe, Berry, Buck, Mills)
10. I Remember California (Stipe, Berry, Buck, Mills)

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Green Day | Dookie (1994)

2010-02-27T13:07:00.003-03:00

Os puristas do punk ainda olham torto para este álbum revolucionário. Mas ninguém pode negar que, com Dookie, o Green Day revigorou um velho gênero musical para uma nova geração.

A receita era simples: pegar alguns acordes pesados com distorção, uma melodia fácil e humor com ironia. Tocar tudo bem rápido para que os ouvintes jovens pudessem pular para cima e para baixo. Não chegava a ser uma fórmula revolucionária: a banda tirou seu som e sua ironia de grupos como Ramones e Sex Pistols — o vocalista, Billy Joe Armstrong, até tentava acrescentar um ligeiro sotaque britânico. Mas a música do Green Day destacava-se do punk inglês por estar despojada de qualquer mensagem política, ainda que mantivesse uma boa dose de rebeldia.

Dookie traz 14 músicas furiosas, mas com belas melodias falando sobe o cotidiano angustiante e entediante dos subúrbios. Enaltece o estilo de vida boêmio em músicas como "Burnout"; em "Longview", fala sobre o apelo da masturbaçlao quando nao se tem o que fazer.

A banda se beneficiou por ter, pela primeira vez, lançado o disco por uma grande gravadora. Com a ajuda de quatro vídeo-clipes inteligentes e sendo tocado sem parar nas rádios, o álbum originou quatro singles de sucesso, incluindo "Basket Case", que se manteve no topo das paradas norte-americanas durante cinco semanas. A música que os imortalizou, contudo, foi "When I Come Around", que conseguiu cristalizar a atmosfera do Woodstock de 1994 em apenas 2 minutos e 58 segundos, tornando a banda famosa. Como o jornal New York Times afirmou: "Em raros momentos a apatia soou tão apaixonante." (Jason Chow)

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01. Burnout (Armstrong, Dirnt, Cool)
02. Having A Blast (Armstrong, Dirnt, Cool)
03. Chump (Armstrong, Dirnt, Cool)
04. Longview (Armstrong, Dirnt, Cool)
05. Welcome To Paradise (Armstrong, Dirnt, Cool)
06. Pulling Teeth (Armstrong, Dirnt, Cool)
07. Basket Case (Armstrong, Dirnt, Cool)
08. She (Armstrong, Dirnt, Cool)
09. Sassafras Roots (Armstrong, Dirnt, Cool)
10. When I Come Around (Armstrong, Dirnt, Cool)
11. Coming Clean (Armstrong, Dirnt, Cool)
12. Emenius Sleepus (Armstrong, Dirnt, Cool)
13. In The End (Armstrong, Dirnt, Cool)
14. F.O.D. (Armstrong, Dirnt, Cool)

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Metallica | ...And Justice For All (1988)

2009-12-05T19:47:00.002-02:00

A história não foi gentil com o quarto álbum do Metallica. Os aficionados do thrash metal criticam o seu som gritantemente superproduzido e os arranjos demasiado complexos. Conta a lenda que este também foi o disco no qual os dois principais compositores da banda, James Hetfield e Lars Ulrich, entraram num vórtice de paranóia (o novo baixista Jason Newsted foi quase totalmente removido na mixagem, pois os dois não confiavam em sua competência) e ambição (a complexidade dos riffs em muitas faixas quase atingiu os excessos do rock progressivo).

Mas, se você conseguir passar por cima do som sem peso e do exagero experimental, ...And Justice For All mostra ter dimensões épicas, podendo mesmo ser considerado um disco conceitual com muitas camadas de invenção a explorar. Está entre os melhores da banda: a melódica e agressiva beleza de Master Of Puppets de 1986 e o devastador e incendiário Metallica, um disco não-thrash de 1991. Se você quer agressividade, é só ouvir a pauleira final de "One" ou a guitarra incrível e sempre surpreendente de Kirk Hammett na música de abertura, "Blackened", além da faixa-título, uma prova da competência dos músicos. Além disso, o alcance do riff de Hetfield em "Eye Of The Beholder", tal como a furiosa "Dyers Eve", não deve ser subestimado. Muitos fãs do Metallica vêem este LP como o ponto em que abandonaram o thrash ("Dyers Eve" é a música que mais se aproxima do som anterior da banda) e começaram a se empenhar em alcançar a aceitação do grande público. Se for esse o caso, é um glorioso adeus aos sons extremos de Kill 'Em All e Ride The Lightning — um adeus que deve ser aproveitado ao máximo. (Joel McIver)

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01. Blackened (Hetfield, Ulrich, Newsted)
02. ...And Justice For All (Hetfield, Ulrich, Hammett)
03. Eye Of The Beholder (Hetfield, Ulrich, Hammett)
04. One (Hetfield, Ulrich)
05. The Shortest Straw (Hetfield, Ulrich)
06. Harvester Of Sorrow (Hetfield, Ulrich)
07. The Frayed Ends Of Sanity (Hetfield, Ulrich, Hammett)
08. To Live Is To Die (Hetfield, Ulrich, Burton)
09. Dyers Eve (Hetfield, Ulrich, Hammett)

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The Replacements | Let It Be (1984)

2009-12-05T00:07:00.004-02:00

Está devidamente documentado que, dependendo da noite em que alguém os visse tocar ao vivo, The Replacements podia ser a melhor ou a pior banda de rock do mundo. Sua performance imprevisível — muitas vezes estavam completamente bêbados — significava que tudo podia acontecer durante os shows. Após uma série de discos irregulares, apesar de empolgantes, lançaram o inovador Let It Be, um álbum que fazia a passagem do período punk da banda rumo às músicas mais melódicas e sensíveis que iriam definir o restante de sua careira. Muito bem recebido pelos críticos em 1984, Let It Be, juntamente com o Zen Arcade do Hüsker Dü, conterrâneo de Mineapolis, ajudou a definir o "rock universitário" de meados dos anos 80, tornando a banda um sucesso underground.

Uma das chaves da popularidade do Replacements estava na capacidade de seu líder, Paul Westerberg, de compor melodias ousadas e cheias de atitude, mas que continuavam sendo muito acessíveis. Basta ouvir "Unsatisfied", onde os violões evidenciam toda a sua amargura, ou o solo de "Answering Machine", onde as guitarras estrondosas e a repetição do último verso — "Ah, eu odeio sua secretária eletrônica" — encerram o álbum de forma genial.

Alguns críticos disseram que as escandalosas "Gary's Got A Boner" e "Tommy Gets His Tonsils Out" podiam ser consideradas como músicas para encher lingüiça, mas não deixam de ser sobre ereções e amígdalas. O grupo nunca deixou passar uma piada (ou um drinque): o título do álbum é uma brincadeira com os Beatles, e a sua divertida, ainda que caótica, versão do clássico "Black Diamond", do KISS, já fez com que Gene Simmons saísse enfurecido de um bar onde o Replacements estava tocando ao vivo. (Tim Scott)

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01. I Will Dare (Westerberg)
02. Favorite Thing (Westerberg, T. Stinson, B. Stinson, Mars)
03. We're Comin' Out (Westerberg, T. Stinson, B. Stinson, Mars)
04. Tommy Gets His Tonsils Out (Westerberg, T. Stinson, B. Stinson, Mars)
05. Androgynous (Westerberg)
06. Black Diamond (Stanley)
07. Unsatisfied (Westerberg)
08. Seen Your Video (Westerberg)
09. Gary's Got A Boner (Westerberg, T. Stinson, B. Stinson, Mars, Nugent)
10. Sixteen Blue (Westerberg)
11. Answering Machine (Westerberg)

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Pixies | Bossanova (1990)

2009-08-10T19:11:00.003-03:00

As rachaduras tinham começado a se tornar evidentes na época de Bossanova e os Pixies tinham perdido parte de sua magia. Em fins de 1989, depois da segunda turnê de Doolittle pelos EUA, o grupo fez uma pausa, declarando-se "cansados" uns dos outros. Durante esse período, Black Francis realizou uma turnê solo e Kim Deal formou The Breeders, com o qual ela iria obter vários sucessos. A banda voltou a juntar-se em 1990 e regressou ao estúdio com o "quinto Pixie", Gil Norton.

O atmosférico Bossanova foi lançado no outono de 1990 e obteve críticas muito variadas. De forma reveladora, não continha nenhuma música de Kim Deal e trazia muitas melodias suaves no estilo surf-rock compostas por Charles Thompson. Em termos comerciais, ele acertou em cheio, chegando ao terceiro lugar nas paradas da Inglaterra e emplacando dois sucessos nos Estados Unidos com "Velouria" e "Dig For Fire".

No que diz respeito às letras, Bossanova representava um afastamento dos trabalhos anteriores. Havia menos sexo e violência surrealista — as marcas registradas de Black Francis —, agora substituídos por uma obsessão por OVNIs: "The Happening" referia-se diretamente à hoje infame Área 51 e "Down To The Well" inspirava-se na história de Barney e Barty Hill, supostamente abduzidos por extraterrestres. "Rock Music" e "Stormy Weather" estavam mais próximos da selvageria dos trabalhos anteriores do grupo. Estranhamente, "Is She Weird" poderia ter sido escrito para ou por Kim Deal. (Mark Blacklock)

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01. Cecilia Ann (Surftones)
02. Rock Music (Francis)
03. Velouria (Francis)
04. Allison (Francis)
05. Is She Weird (Francis)
06. Ana (Francis)
07. All Over The World (Francis)
08. Dig For Fire (Francis)
09. Down To The Well (Francis)
10. The Happening (Francis)
11. Blown Away (Francis)
12. Hang Wire (Francis)
13. Stormy Weather (Francis)
14. Havalina (Francis)

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Afghan Whigs | Gentlemen (1993)

2009-08-01T18:08:00.004-03:00

Apesar de estar há alguns anos no selo Sub Pop, o Afghan Whigs não tinha muito a ver com seus colegas de camisas quadriculadas. Liderados por Greg Dulli, o elegante quarteto de Cincinnati fazia uma vigorosa mistura de rock dinâmico e soul profundo. As letras de Dulli deixavam de lado a angústia pós-adolescência típica do grunge. Em vez disso, exploravam os recônditos mais profundos da sexualidade masculina com boa dose de candura e uma sagacidade seca. A banda já tinha chamado atenção em 1991, com seu terceiro LP, Congregation, que lhes rendeu um contrato com a gravadora Elektra. Viajaram até Memphis para criar o que viria a ser uma grande obra-prima.

Com sua produção detalhada e neocinemática, Gentlemen é um tour de force de composições delicadas e expressão ferrenha. A faixa-título, "Gentlemen", assim como "Be Sweet" expressam um fervor ardente através de grooves sinuosos e com textura.

O R&B de "Debonair" e o piano ritmado de "What Jail Is Like" foram um sucesso nas rádios universitárias, mas o auge de expressividade do álbum é sem dúvida "My Curse": uma balada arrasadora cantada por Marcy Mays (da banda folk-punk Scrawl) a partir de uma perspectiva feminina e com uma intensidade verdadeiramente tempestuosa.

Gentlemen foi elogiado pela crítica tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos, abrindo caminho para Black Love, que viria em seguida, e depois para o último disco da banda, 1961. Ambos entrariam na lista da Billboard. O Afghan Whigs separou-se amistosamente em 2001, terminando sua imensa carreira cult abrindo shows para seu herói de infância, o Aerosmith, durante uma grande turnê nos EUA. (Manish Agarwal)

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01. If I Were Going (Dulli)
02. Gentlemen (Dulli)
03. Be Sweet (Dulli, McCollum)
04. Debonair (Dulli)
05. When We Two Parted (Dulli, McCollum)
06. Fountain And Fairfax (Dulli)
07. What Jail Is Like (Dulli)
08. My Curse (Dulli)
09. Now You Know (Dulli)
10. I Keep Coming Back (Austell, Graham)
11. Brother Woodrow/Closing Prayer (Dulli, McCollum)

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Milton Nascimento E Lô Borges | Clube Da Esquina (1972)

2009-07-06T20:06:00.002-03:00

Se Clube Da Esquina fosse apenas a resposta brasileira a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, já se destacaria como uma importante contribuição ao pop internacional. Mas esta magnifica coleção de canções, lançada originalmente como um álbum duplo, também transformou Milton Nascimento, Lô Borges, Beto Guedes e Toninho Horta em artistas de sucesso pelo seu próprio talento.

Embora Milton Nascimento — um cantor carismático com um falsete puro e cheio de espiritualidade — seja o centro de gravidade do álbum, ele ainda não era uma grande estrela, e Clube Da Esquina é muito mais um trabalho de grupo, co-creditado também a Borges. O disco mistura sons oníricos, letras surrealistas e uma ampla variedade de influências sul-americanas. É um marco da música popular que abriu as portas da criação para outros artistas.

O Clube Da Esquina era um grupo de amigos de Belo Horizonte (MG). Eles passaram seis meses, em 1971, numa casa alugada na Praia de Piratininga, em Niterói, compondo e compartilhando seu amor pelos Beatles. De volta ao estúdio, a música ganhou uma grandiosidade suntuosa com a orquestração de Eumir Deodato e Wagner Tiso. O álbum ainda contém uma série de clássicos, como "Cravo E Canela" e "Nada Será Como Antes". A influência dos Beatles é particularmente forte no "rock mineiro" de Lô Borges, em faixas como "O Trem Azul" e "Nuvem Cigana", músicas delicadas, cheias de encanto e sutilezas. (Andrew Gilbert)

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01. Tudo Que Você Podia Ser (Borges, Borges)
02. Cais (Nascimento, Bastos)
03. O Trem Azul (Borges, Bastos)
04. Saídas E Bandeiras Nº 1 (Brant, Nascimento)
05. Nuvem Cigana (Borges, Bastos)
06. Cravo E Canela (Nascimento, Bastos)
07. Dos Cruces (Larrea)
08. Um Girassol Da Cor De Seu Cabelo (Borges, Borges)
09. San Vicente (Brant, Nascimento)
10. Estrelas (Borges, Borges)
11. Clube Da Esquina Nº 2 (Borges, Borges, Nascimento)
12. Paisagem Na Janela (Brant, Borges)
13. Me Deixa Em Paz (Amorin, Monsueto)
14. Os Povos (Borges, Nascimento)
15. Saídas E Bandeiras Nº 2 (Brant, Nascimento)
16. Um Gôsto De Sol (Nascimento, Bastos)
17. Pelo Amor De Deus (Brant, Nascimento)
18. Lilia (Nascimento)
19. Trem De Doido (Borges, Borges)
20. Nada Será Como Antes (Nascimento, Bastos)
21. Ao Que Vai Nascer (Brant, Nascimento)

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Boards Of Canada | Music Has The Right To Children (1998)

2009-05-12T23:24:00.003-03:00

Certos artistas fazem uma música tão pessoal e única que põem à prova não só o nosso gosto, mas o nosso próprio entendimento da música. Pode-se não gostar logo do disco, mas continua-se tentando. Por fim, após quatro ou cinco audições, chega o maravilhoso momento em que tudo se encaixa.

Music Has The Right To Children, do Boards Of Canada, é um desses álbuns. Logo que foi lançado, em 1998, provocou um terremoto na cena eletrônica. Tinha nascido um novo subgênero ambient que misturava melodias pastorais com tons subterrâneos mais obscuros. Este disco demonstrou aos seus opostores que a música eletrônica não só era intelectualmente estimulante como podia possuir profundidade emocional.

As músicas alternam entre colagens sonoras breves e faixas mais ritmadas e longas. As sílabas fragmentadas e o ritmo esmagador de "Telephasic Workshop" transformam-se pouco a pouco numa cacofonia que obriga o ouvinte a sacudir a cabeça. O único problema do poderoso baixo, da batida ágil e dos sintetizadores em "Roygbiv" é que a música termina muito rapidamente. "Aquarius" também se destaca pela sua mistura hipnótica de risos infantis, números e da palavra "laranja".

Music Has The Right To Children possui também uma bela capa: uma fotografia em baixo contraste dos anos 70 retrata uma fantasmagórica família sem rosto num cenário montanhoso. É uma imagem que capta a essência da música, com os seus temas nostálgicos e a relação entre o natural e o artificial, o sinistro e o sereno. (Rob Morton)

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01. Wildlife Analysis (Sandison, Sandison)
02. An Eagle In Your Mind (Sandison, Sandison)
03. The Color Of The Fire (Sandison, Sandison)
04. Telephasic Workshop (Sandison, Sandison)
05. Triangles & Rhombuses (Sandison, Sandison)
06. Sixtyten (Sandison, Sandison)
07. Turquoise Hexagon Sun (Sandison, Sandison)
08. Kaini Industries (Sandison, Sandison)
09. Bocuma (Sandison, Sandison)
10. Roygbiv (Sandison, Sandison)
11. Rue The Whirl (Sandison, Sandison)
12. Aquarius (Sandison, Sandison)
13. Olson (Sandison, Sandison)
14. Pete Standing Alone (Sandison, Sandison)
15. Smokes Quantity (Sandison, Sandison)
16. Open The Light (Sandison, Sandison)
17. One Very Important Thought (Sandison, Sandison)
18. Happy Cycling (Sandison, Sandison)

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Dennis Wilson | Pacific Ocean Blue (1977)

2009-05-10T22:58:00.003-03:00

Dennis Wilson foi baterista dos Beach Boys, mulherengo, ator, discípulo de Charles Manson e o primeiro do grupo a morrer (afogado, depois de se embebedar com vodca). Também foi o único dos Beach Boys a lançar um álbum solo digno de nota.

Gravado ao longo de sete anos, Pacific Ocean Blue dá uma noção do que era Los Angeles nos anos 70, quando ser uma estrela do rock movida a cocaína significava viver como um deus. O álbum recebeu boas críticas e, se não foi um grande sucesso — não há muitas músicas adequadas para rádio em Pacific Ocean Blue —, ganhou desde sempre a admiração do público. Com vocais gravados em vários canais, ondas de sintetizador, melodias dolorosas, a tendência ao desespero e um clima de gente chapada em final de noite, o disco sobreviveu bem melhor do que qualquer álbum dos Beach Boys depois de Surf's Up.

Os temas de piano e as vozes maciças da faixa de abertura, "River Song", criam um tom épico, quase gospel. "Moonshine" se desenvolve a partir de um ritmo pesado de percussão e oferece um blues californiano do tipo branco-e-rico. "Thoughts Of You" é uma mostra do melhor da linha reflexiva de Dennis; "Time" traz uma linda linha triste de trompete, que lembra Chet Baker, antes de se transformar num rock. A faixa-título é uma ótima canção sobre a natureza, cantada por Dennis sem muitos matizes, enquanto "Farewell My Friend" é uma elegia de adeus. Wilson era viciado em cocaína e álcool, o que explica um certo torpor ao longo de Pacific Ocean Blue, como se ele tivesse que escavar as profundidades de sua mente caótica para conseguir mostrar o verdadeiro Dennis.

Feliz com a reação positiva ao disco, ele planejava gravar em seguida um álbum que se chamaria Bamboo, mas seu estilo de vida selvagem não permitiu que o trabalho chegasse a ser terminado. (Garth Cartwright)

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01. River Song (Wilson, Wilson)
02. What's Wrong (Wilson, Jakobson, Horn)
03. Moonshine (Wilson, Jakobson)
04. Friday Night (Wilson, Jakobson)
05. Dreamer (Wilson, Jakobson)
06. Thoughts Of You (Wilson, Dutch)
07. Time (Wilson, Lamm-Wilson)
08. You And I (Wilson, Jakobson, Lamm-Wilson)
09. Pacific Ocean Blues (Wilson, Love)
10. Farewell My Friend (Wilson)
11. Rainbows (Wilson, Wilson, Kalinich)
12. End Of The Show (Wilson, Jakobson)

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2009-05-09T15:24:00.001-03:00

@http://www.twitter.com/guerrainletto

Bob Dylan | Highway 61 Revisited (1965)

2009-05-03T01:01:00.003-03:00

Desde a estréia da revolucionária Sagração Da Primavera, de Stravinsky, que em 1913 provocou um motim no Théâtre des Champs-Elysées, em Paris, uma transformação musical não causava tanta controvérsia quanto a suscitada por Bob Dylan ao ligar sua guitarra no Festival Folk de Newport, em 25 de julho de 1965. Mas as chacotas dos puristas logo cessariam em meio ao entusiasmo com que o público recebeu Highway 61 Revisited, lançado um mês depois.

Ao se transformar de um cantor acústico de folk em um roqueiro empunhando uma guitarra elétrica, um processo iniciado no lado A de Bringing It All Back Home, de 1965, Dylan reescreveu o manual da música pop. Uma canção de sucesso como "Like A Rolling Stone", um hino banhado pelo órgão, não precisava seguir o padrão de três minutos de duração (apenas duas das nove faixas do álbum têm menos de quatro minutos; a vigorosa música final, "Desolation Row", ultrapassa 11 minutos).

Com canções trabalhadas e poéticas como "Just Like Tom Thumb's Blues", que acabou com o foco tradicional nos refrões fáceis, Highway 61 Revisited funciona melhor quando ouvido sem a preocupação de enteder todas as referências. Não é preciso usar um guia literário para apreciar a adrenalina pura de "Tombstone Blues" e "From A Buick 6", e, afinal, essa foi a principal razão pela qual Dylan tomou o rumo do rock n' roll. (Jim Harrington)

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01. Like A Rolling Stone (Dylan)
02. Tombstone Blues (Dylan)
03. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry (Dylan)
04. From A Buick 6 (Dylan)
05. Ballad Of A Thin Man (Dylan)
06. Queen Jane Approximately (Dylan)
07. Highway 61 Revisited (Dylan)
08. Just Like Tom Thumb's Blues (Dylan)
09. Desolation Row (Dylan)

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Einstürzende Neubauten | Kollaps (1981)

2009-04-30T13:26:00.003-03:00

Formado em Berlim, em 1980, pelo vocalista Blixa Bargeld e o percussionista Andrew Chudy, Einstürzende Neubauten ("Edifícios novos desmoronando") seguiu o terreno aberto pelos terroristas sonoros do Throbbing Gristle e o Faust. O grupo explorava sua obsessão pela destruição usando sucata e ferramentas elétricas junto com a guitarra radicalmente distorcida de Bargeld. Seus primeiros discos foram concebidos num alçapão de manutenção sob uma auto-estrada em Berlim. Convidaram Stuart "F.M." Einheit, da banda punk Abwärts, de Hamburgo, para gravar "o disco mais 'inescutável' da história".

Começando com o som de um toca-discos quebrado, o folk mutante de "Tanz Debil" usa uma percussão inovadora executada com tubos de metal. A devastação de furadeiras e vidro se quebrando sobre folhas de metal em "Steh Auf Berlin" associa imagens de um carnaval pós-apocalíptico. As imagens de pesadelo continuam com os gritos torturados de Bargeld interrompendo as águas calmas e a guitarra de "Negativ Nein" e o ambiente cruel e mecânico de "U-Haft-Muzak". "Hören Mit Schmerzen" ("Ouça com dor") deixa clara a ideologia da banda. O grande momento do disco, contudo, é a faixa-título, cujo ritmo lento e nefasto, conjugado a efeitos explosivos, pinta uma visão terrível do fim do mundo. (Chris Shade)

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01. Tanz Debil (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
02. Steh Auf Berlin (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
03. Negativ Nein (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
04. U-Haft-Muzak (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
05. Draußen Ist Feindlich (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
06. Schmerzen Hören (Hören Mit Schmerzen) (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
07. Jet'M (Gainsbourg)
08. Kollaps (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
09. Sehnsucht (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
10. Vorm Krieg (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
11. Hirnsäge (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
12. Abstieg & Zerfall (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
13. Helga (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)
14. Schieß Euch Ins Blut (Bargeld, Chudy, Einheit, Hacke)

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Arcade Fire | Funeral (2004)

2009-04-26T19:49:00.003-03:00

Durante boa parte de 2003, o rótulo "emo" foi um jeito popular de descrever um restilo peculiar de rock pesado. É evidente que a raiz etimológica do termo provém de "emocional". O álbum de estréia do Arcade Fire demonstra por si só que este subgênero é uma invenção pretenciosa e emocionalmente ignorante. Nesse ano, Win Butler e Régine Chassagne, parceiros na música e no amor, formaram um grupo de rock independente em Montreal para fazerem experiências com estilos, desde a bossa nova até o Krautrock. Seus esforços se intensificaram após a morte da avó de Chassagne e do avô de Butler — Alvino Rey, o compositor de ragtime — com poucos meses de intervalo.

O álbum resultante é uma história impregnada de realismo mágico em que jovens amantes tentam fugir das lembranças de suas famílias, tendo como pano de fundo ambiciosas seções de cordas. "Neighborhood #1 (Tunnels)" fala sobre a fuga dos protagonistas das casa de suas respectivas famílias para se encontrarem e, assim, escaparem do sofrimento de seus pais. Mais três músicas após "Neighborhood" ajudam a construir uma complexa metáfora psicogeográfica sobre a perda e o amor de Butler e Chassagne. Mas não há nada de pós-moderno na serenata de "Crown Of Love", uma balada épica digna de Scott Walker. Apesar de tomar por empréstimo elementos de The Flaming Lips, Suede, Brian Eno e My Bloody Valentine, este álbum é ainda assim uma coisa rara: um disco novo de sonoridade completamente original. (John Doran)

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01. Neighborhood #1 (Tunnels) (Arcade Fire)
02. Neighborhood #2 (Laïka) (Arcade Fire)
03. Une Année Sans Lumière (Arcade Fire)
04. Neighborhood #3 (Power Out) (Arcade Fire)
05. Neighborhood #4 (7 Kettles) (Arcade Fire)
06. Crown Of Love (Arcade Fire)
07. Wake Up (Arcade Fire)
08. Haïti (Arcade Fire)
09. Rebellion (Lies) (Arcade Fire)
10. In The Backseat (Arcade Fire)

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The Beatles | A Hard Day's Night (1964)

2009-04-25T20:00:00.004-03:00

Para a maioria dos mortais, ter dois álbuns nos primeiros lugares das paradas de sucesso seria o ague da carreira, mas, para os Beatles, isso era apenas um aperitivo. Algumas semanas depois de Meet The Beatles e Second Album terem se sucedido como tops nos EUA, A Hard Day's Night liderava a lista.

A diferença? Pela primeira vez num disco dos Beatles, todas as faixas eram composições deles próprios. Embora creditadas a Lennon/McCartney, as músicas eram, na verdade, de Lennon, à exceção de três. Mas "And I Love Her", "Can't Buy Me Love" e "Things We Said Today", de McCartney, provam que qualidade não depende de quantidade (não por acaso, a jogada de gravar apenas canções originais era uma invenção de Buddy Holly, a quem Paul adorava). O álbum, porém, foi decepado para o lançamento nos EUA: "Anytime At All", "Things We Said Today", "When I Get Home", "You Can't Do That" e "I'll Be Back" foram substituídas por versões instrumentais, com arranjos de George Martin.

Desde o inconfundível toque da Rickenbacker de 12 cordas de Harrison na abertura da faixa-título, o álbum é uma lição de como tocar guitarra de forma simples, mas superlativa. Consciente dos deslizes cinematográficos cometidos por seu ídolo Elvis, Lennon insistiu para que o filme Os Reis Do Iê-Iê-Iê tivesse qualidade e fosse mais do que "uma obra pop de merda" e o álbum seguiu exatamente o mesmo padrão.

É verdade que há alegres músicas descartáveis como "I'm Happy Just To Dance With You" ou "Tell Me Why", mas o disco se equilibra com maravilhas como "And I Love Her" e "If I Fell". Enquanto isso, o rock de "A Hard Day's Night" e "Anytime At All" teve um impacto eletrizante em futuros heróis da guitarra como a banda The Byrds (e, no devido tempo, Tom Petty, um filhote dos Byrds) — e continuará fundamental enquanto existirem jovens arranhando o instrumento. (Bruno MacDonald)

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01. A Hard Day's Night (Lennon, McCartney)
02. I Should Have Known Better (Lennon, McCartney)
03. If I Fell (Lennon, McCartney)
04. I'm Happy Just To Dance With You (Lennon, McCartney)
05. And I Love Her (Lennon, McCartney)
06. Tell Me Why (Lennon, McCartney)
07. Can't Buy Me Love (Lennon, McCartney)
08. Any Time At All (Lennon, McCartney)
09. I'll Cry Instead (Lennon, McCartney)
10. Things We Said Today (Lennon, McCartney)
11. When I Get Home (Lennon, McCartney)
12. You Can't Do That (Lennon, McCartney)
13. I'll Be Back (Lennon, McCartney)

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The Beatles | With The Beatles (1963)

2009-04-25T19:22:00.003-03:00

Primeiro álbum a vender um milhão de cópias na Grã-Bretanha, With The Beatles cimentou a posição inexpugnável dos Beatles no topo das paradas britânicas. Gravado em seis dias entre julho e outubro de 1963, este é um disco que captura a alma ardente de Liverpool de forma brilhante e sem deixar margem a dúvidas. Embora ainda fosse, fundamentalmente, uma seleção de números ao vivo e canções escritas às pressas, o álbum revelou a confiança depositada pela EMI em seu talento, já que nenhuma faixa foi lançada em single — o que era inédito, na época.

A influência da Motown, em particular, é percebida na escolha das versões. A harmonia de George Harrison e John Lennon em "You Really Got A Hold On Me", dos The Miracles, é, sem dúvida, a maior homenagem prestada pelo grupo, e a voz furiosa de Lennon em "Money", de Barrett Strong, é de tirar o fôlego. Das músicas compostas pelos Beatles, "Little Child" e "It Won't Be Long" marcam a linha frenética do primeiro álbum, enquanto "All My Loving" é o primeiro clássico de Paul McCartney. No entanto, um momento particularmente mais introspectivo rouba o disco: embora ausente das antologias dos Beatles, "All I've Got To Do" é uma de suas músicas mais intimistas — expondo Lennon em seu melhor estilo direto e cru.

A foto da capa, tirada por Robert Freeman no Bournemouth's Palace Court Hotel em agosto de 1963, é a mais simbólica do grupo e uma das imagens mais características dos anos 60.

With The Beatles teve uma recepção calorosa do público e permanece delicioso e vivo. Com a mesma capa e apenas oito faixas, o disco foi lançado nos Estados Unidos como Meet The Beatles, a estréia da banda no país. Os Beatles estavam a um passo de dominar o mundo. (Daryl Easlea)

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01. It Won't Be Long (Lennon, McCartney)
02. All I've Got To Do (Lennon, McCartney)
03. All My Loving (Lennon, McCartney)
04. Don't Bother Me (Harrison)
05. Little Child (Lennon, McCartney)
06. Till There Was You (Willson)
07. Please Mister Postman (Dobbins, Garrett, Gorman, Holland, Bateman)
08. Roll Over Beethoven (Berry)
09. Hold Me Tight (Lennon, McCartney)
10. You Really Got A Hold On Me (Robinson)
11. I Wanna Be Your Man (Lennon, McCartney)
12. Devil In Her Heart (Drapkin)
13. Not A Second Time (Lennon, McCartney)
14. Money (Bradford, Gordy)

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Radiohead | Kid A (2000)

2009-03-24T00:44:00.003-03:00

Depois de OK Computer, de 1997, tornou-se comum afirmar que o Radiohead era uma das melhores bandas da Inglaterra. No entanto, Kid A, gravado três anos depois, gerou muita controvérsia. Os críticos queriam saber onde estavam as guitarras e por que Thom Yorke parecia estar cantando dentro de uma banheira.

O Radiohead criou um álbum mais focado no som e nas texturas do que na simples dinâmica entre volumes altos e baixos — e menos ainda em estruturas convencionais para as músicas. Cliques, baterias eletrônicas e teclados seqüenciados servem de base para o falsete de Yorke em "Everything In Its Right Place" e na sombria "Morning Bell". Um baixo lúgubre pontua "The National Anthem", combinando a bateria de Phil Selway com um naipe de sopros para criar um final apocalíptico. Os belos violões de "How To Disappear Completely" são sobrepostos a uma seção de cordas atonal que acentua o niilismo de Yorke quando canta "I'm not here/this isn't happening" ("Eu não estou aqui/isto não está acontecendo").

O guitarrista Jonny Greenwood compôs grande parte dos arranjos de cordas e fez um uso fantástico do Ondes Martenot, um instrumento eletrônico dos anos 20 (famoso por ter sido usado no tema da série original Star Trek — Jornada Nas Estrelas). Baterias eletrônicas criam a base para a arrebatadora "Idioteque". "Motion Picture Soundtrack" encerra o álbum com um órgão cujo som lembra músicas de funerais.

Kid A conquistou um Grammy e alcançou os primeiros lugares das paradas em ambos os lados do Atlântico (apesar de ter sido disponibilizado gratuitamente na internet semanas antes do lançamento oficial). Foi o álbum que fez o Radiohead estourar nos Estados Unidos. (Ali MacQueen)

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01. Everything In Its Right Place (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
02. Kid A (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
03. The National Anthem (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
04. How To Disappear Completely (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
05. Treefingers (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
06. Optimistic (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
07. In Limbo (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
08. Idioteque (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway, Lansky)
09. Morning Bell (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
10. Motion Picture Soundtrack (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)

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Radiohead | OK Computer (1997)

2009-03-23T22:28:00.004-03:00

Misturar The Smiths e Queen é sinônimo de demência. Por sorte, as influências idiossincráticas do Radiohead estavam à altura de seu talento e o seu terceiro álbum foi ainda mais longe que o seu espetacular antecessor, The Bends.

O sucesso que os acompanhava desde o sucesso do single "Creep" não tornou seu líder, Thom Yorke, um homem feliz. A música mais alegre do álbum, "Airbag", fala da "emoção maravilhosa e positiva que você sente quando acaba de se safar de um acidente".

Em outras faixas ele solta sua raiva contra "negócios e babaquices" ("Electioneering"), contra "estar encurralado" ("Let Down") e contra "o monstro do armário" ("Climbing Up The Walls"). A mais vívida é "Paranoid Android", cujo título vem do livro O Mochileiro Das Galáxias, de Douglas Adams: a letra, inspirada no jet-set enlouquecido pela cocaína, é uma evocação pavorosa do "mais completo e absoluto caos".

A beleza da música suaviza o terror das letras. "Subterranean Homesick Alien" é adequadamente espacial. "No Surprises" é uma música delicada acompanhada por um carrilhão, e "Let Down" é tão adorável quanto seria de se esperar de uma música gravada numa sala de dança de Jane Seymor. "Lucky" e "The Tourist" têm um certo toque de Pink Floyd.

Há muitas surpresas sonoras: o loop de bateria inspirado no DJ Shadow na música "Airbag", a épica "Paranoid Android" no estilo de "Happiness Is A Warm Gun" e "Fitter Happier", remetendo a Stephen Hawking (na verdade, um computador Apple programado por Yorke).

OK Computer chegou ao primeiro lugar nos Estados Unidos e na Inglaterra em segundo a banda, teve uma recepção "exagerada". Ainda assim, continua sendo fascinante de se ouvir, como em 1997. (Bruno MacDonald)

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01. Airbag (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
02. Paranoid Android (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
03. Subterranean Homesick Alien (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
04. Exit Music (For A Film) (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
05. Let Down (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
06. Karma Police (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
07. Fitter Happier (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
08. Electioneering (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
09. Climbing Up The Walls (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
10. No Surprises (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
11. Lucky (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
12. The Tourist (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)

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Radiohead | The Bends (1995)

2009-03-23T21:51:00.002-03:00

É fato conhecido que o peso do sucesso de um único single pode destruir uma banda — é melhor repetir o mesmo e ser acusado de estar cedendo aos impulsos comerciais ou seguir seus ideais artísticos e arriscar-se a confundir os fãs? Livres do paralisante e claustrofóbico sucesso do single "Creep", que se tornou um clássico, o Radiohead decidiu fazer as duas coisas ao mesmo tempo.

The Bends é sua obra-prima de rock. Ainda longe de explorar a fundo seu fascínio pela música eletrônica, o grupo construiu um punhado de músicas que tinham uma identidade provocante, porém frágil, e, mais importante, podiam fazer com que um estádio em peso dançasse ao som delas. Todas as músicas deste álbum merecem atenção — todas são suficientemente sólidas para que os músicos que tocam nas ruas queiram interpretá-las, acompanhados por um violão ou o mais próximo possível da versão original com uma banda inteira. "Bones", "Just" e "My Iron Lung" (um single gravado ao vivo, exceto pela voz) ainda hoje conseguem levantar multidões. Depois vinha o lado tranqüilo: o delicioso sarcasmo de "(Nice Dream)", a sonolenta "Bullet Proof..I Wish I Was" ou ainda a música que encerra o álbum com um toque falsamente hippie. "Immerse your soul in love" ("Afunde sua alma em amor") é o que Yorke diz numa das suas melhores interpretações até hoje. É impossível não concordar, entre abismado e admirado.

Visualmente falando, The Bends é uma confusão — a capa mostra uma imagem digitalmente manipulada de um boneco para prática médica de ressuscitamento. Possivelmente era um sinal daquilo que ainda estava por vir, porque os álbuns seguintes seriam ainda mais abstratos. Em 1995, pelo menos, o som do Radiohead era simplista, em comparação, e tinha um efeito devastador — o som de uma era de ouro. (Jack Kennedy)

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01. Planet Telex (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
02. The Bends (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
03. High And Dry (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
04. Fake Plastic Trees (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
05. Bones (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
06. (Nice Dream) (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
07. Just (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
08. My Iron Lung (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
09. Bullet Proof..I Wish I Was (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
10. Black Star (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
11. Sulk (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)
12. Street Spirit (Fade Out) (Yorke, Greenwood, O'Brien, Greenwood, Selway)

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Thin Lizzy | Live And Dangerous (1978)

2009-03-13T04:43:00.003-03:00

Na mesma época em que Israel retirou todos os seus soldados do Líbano, em junho de 1978, o Thin Lizzy usou todas as suas tropas para fazer um dos melhores álbuns ao vivo da história da música. Os retoques no disco despertaram rumores críticos: o empresário Chris O'Donnell garantiu que a gravação era "75% ao vivo" e que os overdubs foram usados para corrigir os excessos do baixo de Phil Lynott e os backing vocals dos guitarristas Scott Gorham e Brian Robertson. O produtor Tony Visconti disse à BBC Radio 1: "Apagamos tudo, menos a bateria (...) mesmo a platéia foi refeita, uma coisa um tanto desonesta (...) "Southbound" foi gravada durante uma passagem de som e acrescentei umas repetições de fitas com o barulho da platéia".

Os fãs não se incomodaram. O resultado é mágico e os temores da Vertigo em lançar um caro álbum duplo se mostraram infundados — vendeu 60 mil cópias na Inglaterra. Consta que foi gravado em Londres e Toronto, mas é, na verdade, uma coletânea de melhores momentos.

Rocks melódicos e poderosos trazem memoráveis riffs e refrões, temperados por momentos comovedores. A enxurrada começa com "Jailbreak" e arrasta a furiosa "Emerald", a contagiante "Southbound" e a definitiva "Rosalie", até a deliciosa "Dancing In The Moonlight".

"Still In Love With You" é daquelas que a platéia acompanha acendendo os isqueiros; "Cowboy Song" é uma brincadeira com um fantástico efeito cascata; "Suicide", uma canção gloriosa que conta uma história. E há os hinos: "The Boys Are Back In Town" e "The Rocker".

Como atestou a NME, "é uma carta de intenções quase perfeita do melhor hard rock da melhor banda de rock do mundo". (Tim Jones)

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01. Jailbreak (Lynott)
02. Emerald (Lynott, Downey, Gorham, Robertson)
03. Southbound (Lynott)
04. Rosalie/Cowgirl's Song (Seger/Lynott, Downey)
05. Dancing In The Moonlight (It's Caught Me In Its Spotlight) (Lynott)
06. Massacre (Lynott, Downey, Gorham)
07. Still In Love With You (Lynott)
08. Johnny The Fox Meets Jimmy The Weed (Lynott, Downey, Gorham)
09. Cowboy Song (Lynott, Downey)
10. The Boys Are Back In Town (Lynott)
11. Don't Believe A Word (Lynott)
12. Warrior (Lynott, Gorham)
13. Are You Ready (Lynott, Downey, Gorham, Robertson)
14. Suicide (Lynott)
15. Sha La La (Lynott, Downey)
16. Baby Drives Me Crazy (Lynott, Downey, Gorham, Robertson)
17. The Rocker (Lynott, Downey, Bell)

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Metallica | S&M (1999)

2009-03-13T03:24:00.003-03:00

Em novembro de 1999, Berlim celebrou o décimo aniversário da queda do Muro, e o Metallica lançou uma ode orquestral à alegria. O seu nono álbum capta a banda tocando ao vivo com a orquestra sinfônica de São Francisco.

A fusão entre o rock e a música clássica é antiga, voltando no tempo a horrores como Concerto For Group And Orchestra, de uma das bandas favoritas de Lars Ulrich, o Deep Purple. O Metallica já tinha provado que conseguia fazer a fusão com elegância: no álbum de 1991, tanto "Nothing Else Matters" quanto "The Unforgiven" possuíam acompanhamento orquestral dirigido pelo maestro Michael Kamen, que havia trabalhado com Eric Clapton e o Pink Floyd. Após anos de esforços, Kamen convenceu os metaleiros a fazerem uma parceria com ele. "Ele queria ser um pouco mais ousado" — declarou James Hetfield. "Por isso nos escolheu. Podia ter escolhido uma banda mais radical — como os Graveworm —, mas acho que fomos uma boa escolha. Respondemos: por que não?".

Essa abordagem positiva funcionou bem em Symphony & Metallica. Podemos encontrar clássicos como a exuberante "The Call Of Ktulu" ou a popular "Enter Sandman", além de músicas de Load e ReLoad.

Como ilustra o DVD lançado simultaneamente, todos ficaram felizes com a colaboração — os músicos orquestrais adicionaram contrapontos góticos e cinematográficos à música elétrica, em todos os sentidos, da banda. A grandiosa parceria alcança o seu ponto alto em "Fuel", "No Leaf Clover" (uma das duas únicas canções inéditas, a outra sendo "- Human") e no épico "One" — a reação do público foi de puro êxtase. Clássico, de fato! (Tim Jones)

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Disco I

01. The Ecstasy Of Gold (Morricone)
02. The Call Of The Ktulu (Hetfield, Ulrich, Burton, Mustaine)
03. Master Of Puppets (Hetfield, Ulrich, Burton, Hammett)
04. Of Wolf And Man (Hetfield, Ulrich, Hammett)
05. The Thing That Should Not Be (Hetfield, Ulrich, Hammett)
06. Fuel (Hetfield, Ulrich, Hammett)
07. The Memory Remains (Hetfield, Ulrich)
08. No Leaf Clover (Hetfield, Ulrich)
09. Hero Of The Day (Hetfield, Ulrich, Hammett)
10. Devil's Dance (Hetfield, Ulrich)
11. Bleeding Me (Hetfield, Ulrich, Hammett)

Disco II

01. Nothing Else Matters (Hetfield, Ulrich)
02. Until It Sleeps (Hetfield, Ulrich)
03. For Whom The Bell Tolls (Hetfield, Ulrich, Burton)
04. - Human (Hetfield, Ulrich)
05. Wherever I May Roam (Hetfield, Ulrich)
06. Outlaw Torn (Hetfield, Ulrich)
07. Sad But True (Hetfield, Ulrich)
08. One (Hetfield, Ulrich)
09. Enter Sandman (Hetfield, Ulrich, Hammett)
10. Battery (Hetfield, Ulrich)

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Beck | Sea Change (2002)

2009-03-12T22:38:00.002-03:00

Após uma década de ritmos hip-hop encardidos e folk desgastado, Sea Change testemunhou um Beck farto de sua própria alternância incessante entre gêneros musicais. E como soava cansado. Sea Change foi lançado logo após o rompimento de Beck com a sua namorada Leigh Limon e também após sua conversão à Cientologia. O disco chafurdava na infelicidade, o que significava — salvo algumas explosões catárticas de barulho — que suas travessuras pós-modernas chegavam ao fim. enquanto Midnite Vultures (2000) era um espécie de trilha sonora para um filme nunca rodado dos Banana Splits, Sea Change se firma em canções simples, tristes, com uma objetividade rara para esse compositor freqüentemente obscuro.

Com o suporte de Roger Manning, Smokey Hormel, Joey Waronker e Justin Meldal-Johnsen, seguindo o modelo nada intrusivo de country rock (pense em Harvest) — é a voz acústica, delicada e ferida de Beck que impulsiona o álbum. Até o produtor Nigle Godrich, amante de equipamentos eletrônicos, limita-se a seguir em frente com o trabalho de diluir a dor de amor do pobre Beck em 12 faixas.

Alguns até sentiram falta do experimentalismo de Odelay e de Midnite Vultures. É bem verdade que as letras são pouco incisivas (em "End Of The Day", ele rima "before" com "before") e que a voz oscila entre cansada e clinicamente morta. Mas os arranjos orquestrais de tirar o fôlego em "Paper Tiger", "Lonesome Tears" e "Round The Bend", além das intensamente alegres/tristes "Sunday Sun", "Little One" e "Lost Cause", são de uma sinceridade e uma determinação que poucos imaginavam que Beck tivesse. (Bruno MacDonald)

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01. The Golden Age (Hansen)
02. Paper Tiger (Hansen)
03. Guess I'm Doing Fine (Hansen)
04. Lonesome Tears (Hansen)
05. Lost Cause (Hansen)
06. End Of The Day (Hansen)
07. It's All In Your Mind (Hansen)
08. Round The Bend (Hansen)
09. Already Dead (Hansen)
10. Sunday Sun (Hansen)
11. Little One (Hansen)
12. Side Of The Road (Hansen)

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Brian Wilson | SMiLE (2004)

2009-03-09T03:33:00.002-03:00

Concebido inicialmente em 1966, SMiLE, de Brian Wilson, gozou da reputação de ser o Santo Graal do pop — um disco que insinuava uma visão de beleza e fragilidade impressionantes, a julgar pelas poucas canções que tinham sido divulgadas, especialmente a sinfonia pop de bolso "Good Vibrations". No entanto, seu caminho para as lojas de discos não parecia certo. Depois de um esgotamento nervoso causado pelo abuso de drogas, Wilson tentou atear fogo nas gravações originais do álbum. Porém, acabou guardando tudo, o que elevou o disco ao status de "mito".

Finalmente foi lançado em 2004, depois de ser regravado por Brian Wilson e uma talentosa banda de estúdio. SMiLE é uma alegre ode às harmonias ensolaradas do Beach Boys. O álbum começa com "Our Prayer", um hino a capela, antes de explodir na colisão colorida de "Heroes And Villains". "Surf's Up", uma comovente homenagem à juventude, dá lugar à rebelde "I'm In Great Shape" e à cômica "Vega-Tables". A voz de Wilson, mesmo que falhe ocasionalmente devido à idade, às doenças antigas e aos excessos do passado, é o instrumento mais versátil do disco. O homem que já esteve sentado numa caixa de areia para compor sinfonias adolescentes a Deus ccontemplou o abismo do seu próprio destino: com SMiLE, reconheceu o seu talento finalmente.

Recebido pela crítica mundial com uma aclamação quase unânime, SMiLE é uma espécie de modelo da visão original de Brian Wilson — "Good Vibrations", "Heroes And Villains" e "Cabin Essence" já haviam visto a luz do dia antes, como lançamentos clássicos do Beach Boys. (Burhan Wazir)

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01. Our Prayer/Gee (Wilson/Davis, Levy)
02. Heroes And Villains (Wilson, Parks)
03. Roll Plymouth Rock (Wilson, Parks)
04. Barnyard (Wilson, Parks)
05. Old Master Painter/You Are My Sunshine (Gillespie, Smith/Davis)
06. Cabin Essence (Wilson, Parks)
07. Wonderful (Wilson, Parks)
08. Song For Children (Wilson, Parks)
09. Child Is Father Of The Man (Wilson, Parks)
10. Surf's Up (Wilson, Parks)
11. I'm In Great Shape/I Wanna Be Around/Workshop (Wilson, Parks/Mercer, Vimmerstedt/Wilson)
12. Vega-Tables (Wilson, Parks)
13. On A Holiday (Wilson, Parks)
14. Wind Chimes (Wilson, Parks)
15. Mrs. O'Leary's Cow (Wilson)
16. In Blue Hawaii (Wilson, Parks)
17. Good Vibrations (Wilson, Asher, Love)

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Devendra Banhart | Rejoicing In The Hands (2004)

2009-02-20T18:21:00.002-03:00

Depois de sua estréia — um maravilhoso disco lo-fi chamado Oh Me Oh My (2002) —, os críticos não tardaram em rotular Devendra Banhart como porta-voz de uma revolução no indie folk. Em vez de aceitar o rótulo de sábio da música "alternativa", em Rejoicing In The Hands, Devendra Banhart se esquiva elegantemente do fator celebridade, usando um repertório menos conhecido e ainda mais rústico. É certo que o compêndio de bluegrass, country e ecos de música folk britânica se mantém intacto, mas dessa vez leva a sua perversidade polimorfa para muito além do revisionismo reverencial, alcançando uma originalidade quase sobrenatural.

Na verdade, Banhart é impossível de decodificar usando os códigos normais do velho folk. Mesmo as tentativas de descrever as melodias de um violão estranhamente afinado em "Poughkeepsie" como uma revisão vanguardista e psicodélica da Anthology Of American Folk Music (1952), de Harry Smith, ou o sussurro de canção infantil em "The Body Breaks" como uma ressurreição fantasmagórica do Marc Bolan da época do T. Rex acabam sendo redundantes. A única coisa que o ouvinte pode recorrer são as cifras líricas, que oscilam entre a extravagante "Jabberwocky" e poemas com toque de Rimbaud sob os efeitos de LSD — nem sequer os títulos das músicas oferecem uma ajuda no campo semiótico. É inútil tentar entender nomes abusivamente estranhos como "Tit Smoking In The Temple Of Artesan Mimicry"! Talvez "This Beard Is For Siobhán" não seja mais do que um simples improviso. E é aí que está o golpe de mestre de Banhart: soa como se ele não se importasse se alguém está ouvindo ou não. (Miles Keylock)

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01. This Is The Way (Banhart)
02. A Sight To Behold (Banhart)
03. The Body Breaks (Banhart)
04. Poughkeepsie (Banhart)
05. Dogs They Make Up The Dark (Banhart)
06. Will Is My Friend (Banhart)
07. This Beard Is For Siobhán (Banhart)
08. See Saw (Banhart)
09. Tit Smoking In The Temple Of Artesan Mimicry (Banhart)
10. Rejoicing In The Hands (Banhart)
11. Fall (Banhart)
12. Todo Los Dolores (Banhart)
13. When The Sun Shone On Vetiver (Banhart)
14. There Was Sun (Banhart)
15. Insect Eyes (Banhart)
16. Autumn's Child (Banhart)

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Chico Buarque | Construção (1971)

2009-02-20T18:00:00.003-03:00

Construção foi o quinto álbum de Chico Buarque para a Philips. É um trabalho que se tornou um clássico e um marco de referência desse cantor de importância maior na música brasileira e mundial. Quase todas as músicas que compõem este disco fizeram sucesso. Buarque aparece aqui num ambiente acústico. A orquestração do álbum foi influenciada por Rogério Duprat. Logo no início, o LP mergulha fundo nos ritmos tradicionais brasileiros, em canções que, implicitamente, criticam o regime político ditatorial do país ("Deus Lhe Pague" e a música-título, "Construção").

Como é comum na obra desse inigualável contador de histórias, ele realça os detalhes do dia-a-dia característicos e definidores das relações humanas (e da condição humana — como em "Ópera Do Malandro") em "Cotidiano", que fala da rotina da relação entre um homem e uma mulher. As três faixas seguintes, "Olha Maria", "Samba De Orly" e "Valsinha", são parcerias com outros grandes letristas e compositores da música brasileira — Tom Jobim, Vinícius de Moraes e Toquinho ("Samba De Orly" faz referência ao aeroporto francês e a Paris, que se tornaram familiares para os brasileiros exilados). Outro destaque é "Valsinha", uma canção de amor de dois minutos que permaneceu nos ouvidos e no coração do público internacional. Um disco obrigatório. (Tim Jones)

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01. Deus Lhe Pague (Buarque)
02. Cotidiano (Buarque)
03. Desalento (Buarque, Moraes)
04. Construção (Buarque)
05. Cordão (Buarque)
06. Olha Maria (Buarque, Moraes, Jobim)
07. Samba De Orly (Buarque, Moraes, Toquinho)
08. Valsinha (Buarque, Moraes)
09. Minha História (Gesùbambino) (Dalla, Buarque)
10. Acalanto (Buarque)

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Dizzee Rascal | Boy In Da Corner (2003)

2009-01-27T03:14:00.005-02:00

Em 2003, a cena garage inglesa já tinha atingido seu ápice e retornava ao underground. Nesse meio-tempo, Dizzee Rascal, um MC e produtor jovem, negro e paranóico, estava a caminho de se tornar o improvável líder de uma nova, opressiva, densa e agressiva variação do garage, um subgênero conhecido como grime.

Boy In Da Corner, a estréia de Dizzee, é o retrato sonoro da vida de um adolescente nos projects (conjuntos habitacionais para população de baixa renda) da zona leste de Londres. Dizzee escreveu e produziu o álbum sozinho, descrevendo a alienação e a confusão com precisão. O álbum chegou a disco de ouro na Inglaterra, um feito impressionante levando-se em conta a hostilidade do som. A produção de Dizzee baseava-se na velha escola do hip-hop, no garage, em drum n' bass, rock, electro e qualquer outro gênero de música negra que se possa nomear. Mas, simultaneamente, soava completamente alienígena. Caixas ensurdecedoras, trechos de fliperamas, sirenes de polícia, linhas de baixo instáveis e distorcidas, baterias fora de tom criam um som paranóico que reflete a mente de Dizzee e seu ambiente. A velocidade urbana desta música exigia um MC especial e Dizzee estava à altura da tarefa, cuspindo gírias da zona leste londrina e rimas sujas com destreza e estilo.

"I Luv U" foi o primeiro single do álbum — uma música áspera e satírica sobre a falta de comunicação entre um garoto e uma garota. Como todo bom letrista, Dizzee explora diferentes estilos, desde a fanfarronice do rap ("Hold Ya Mouf" e "Fix Up, Look Sharp") até a crítica social mais cortante ("Round We Go"). Também não tem medo de expor o seu lado mais sensível ("Brand New Day"). Boy In Da Corner ganhou merecidamente o prêmio Mercury em 2003. (Andy Pickering)

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01. Sittin' Here (Mills)
02. Stop Dat (Mills)
03. I Luv U (Mills)
04. Brand New Day (Mills)
05. 2 Far (Mills, Cowie)
06. Fix Up, Look Sharp (Mills, Denton, Squire)
07. Cut 'Em Off (Mills)
08. Hold Ya Mouf (Mills, Dowe)
09. Round We Go (Mills, Hector)
10. Jus' A Rascal (Mills, Rowe, Vardoen)
11. Wot U On? (Mills)
12. Jezebel (Mills)
13. Seems 2 Be (Mills)
14. Live O (Mills)
15. Do It! (Mills)

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TV On The Radio | Desperate Youth, Blood Thirsty Babes (2004)

2009-01-24T01:45:00.003-02:00

Como muitas estréias, Desperate Youth, Blood Thirsty Babes é tão aventureiro e inovador como se poderia esperar. Construído em torno de harmonias vocais a capela, loops de bateria e guitarras barulhentas, um espírito independente surge de dentro dele e o distingue da onda de punk cheio de riffs ou da mania new-wave que predominava na época.

TV On The Radio surgiu quando o vocalista Tunde Adebimpe e David Sitek, produtor do Yeah Yeah Yeahs, decidiram unir esforços após terem trocado gravações dos seus respectivos projetos. O EP Young Liars foi lançado pela Touch And Go em julho de 2003 e imediatamente causou furor. Um terceiro integrante, Kyp Malone, foi convidado para compartilhar a composição, guitarras e vocais em Desperate Youth... Suas participações nos vocais, acresentando notas agudas ao belo registro médio de Adebimpe, dão uma dimensão gloriosa às harmonias.

"The Wrong Way", a primeira faixa, é agressiva, com um saxofone berrante sobre um baixo pesado de apenas uma nota, mas em seguida se abre nas duas músicas mais emocionantes: "Staring At The Sun", enérgica e suplicante — a única faixa extraída do EP —, e "Dreams", que vai aumentando e diminuindo de intensidade, na qual Malone alcança notas incrivelmente agudas, enquanto Adebimpe conclui com belas rimas. "King Eternal" é carregado por uma bateria incerta para proclamar a imortalidade. "Ambulance" contém um doce canto a capela maravilhosamente estruturado e "Poppy" oferece um sicero relato de"amor altruísta". Este é um álbum cheio de esperança e de generosidade. (Mark Blacklock)

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01. The Wrong Way (Adebimpe, Malone, Sitek)
02. Staring At The Sun (Adebimpe, Malone, Sitek)
03. Dreams (Adebimpe, Malone, Sitek)
04. King Eternal (Adebimpe, Malone, Sitek)
05. Ambulance (Adebimpe, Malone, Sitek)
06. Poppy (Adebimpe, Malone, Sitek)
07. Don't Love You (Adebimpe, Malone, Sitek)
08. Bomb Yourself (Adebimpe, Malone, Sitek)
09. Wear You Out (Adebimpe, Malone, Sitek)

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The Streets | A Grand Don't Come For Free (2004)

2009-01-23T02:24:00.003-02:00

Metade das músicas de hip-hop é baseada em resmungos: pouco respeito, poucas jóias, armas demais, ódio demais. Contudo, poucos artistas protestaram tão engenhosamente sobre as coisas do dia-a-dia que realmente nos incomodam quanto Mike Skinner. No seu segundo álbum com o The Streets (após Original Pirate Material, sua estréia indicada para os prêmios Brit e Mercury), o rapper não tenta provar que é mais macho do que 50 Cent. Ele quer apenas devolver um DVD, retirar dinheiro de um caixa eletrônico e falar ao celular antes que acabe a bateria. Mais cotidiano impossível.

"It was supposed to be so easy" ("Era para ser tão fácil"), queixa-se Skinner na primeira faixa ao narrar aquela que é, provavelmente, a crônica mais hilária e sincera da história do hip-hop sobre a vida nos subúrbios. Pense em Quadrophenia misturada com Ulysses, num cenário contemporâneo da West Midlands da Inglaterra, e você terá uma idéia aproximada do relato. Trata-se de um disco conceitual — com um elenco peculiar de bêbados, jogadores e figuras estranhas da vizinhança — que descreve um arco narrativo através de conflitos menores, ainda que dramáticos, e consegue chegar a uma conclusão em menos de 51 minutos.

Apresentando uma abordagem diferente da maioria dos seus companheiros de gênero, Skinner mantém a produção simples e segura. É o acompanhamento perfeito para seus versos meio cantados, meio rap. Sua inteligência e seu gosto pelo humor ficam evidentes na faixa "It Was Supposed To Be So Easy", enquanto que em "Not Addicted" o rapper acaba assumindo sua total incapacidade para apostar dinheiro. Skinner é igualmente eficaz nas músicas sentimentais, exibindo uma sensibilidade terna nas baladas "Could Well Be In" e "Dry Your Eyes". (Jim Harrington)

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01. It Was Supposed To Be So Easy (Skinner)
02. Could Well Be In (Skinner)
03. Not Addicted (Skinner)
04. Blinded By The Lights (Skinner)
05. Wouldn't Have It Any Other Way (Skinner)
06. Get Out Of My House (Skinner)
07. Fit But You Know It (Skinner)
08. Such A Twat (Skinner)
09. What Is He Thinking (Skinner)
10. Dry Your Eyes (Skinner)
11. Empty Cans (Skinner)

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Bonnie 'Prince' Billy | I See A Darkness (1999)

2009-01-18T02:03:00.004-02:00

Devido às profecias de Nostradamus relativas ao fim do mundo e ao medo do "bug do milênio", 1999 não foi um ano fácil. Logo, era o momento mais adequado para que Will Oldham gravasse a sua sombria obra-prima country sobre o medo, o fracasso e o perdão.

Oldham, nascido em Louisville, Kentucky, começou a sua carreira como ator infantil e a sua habilidade para assumir diferentes papéis transparece em sua música (gravou como Palace Brothers e também como Palace). Oldham diz que seu personagem Bonnie 'Prince' Billy é uma mistura de Bonnie Prince Charlie, Nat King Cole e Billy The Kid: "Serve para várias coisas. Sinto-me bem numa conversa em que me tratam por Bonnie em vez de Will."

O fato de ele estar tão "fora" do disco torna-o ainda mais íntimo. I See A Darkness está repleto de histórias e, assim como no folclore, as suas narrativas conduzem diretamente a verdades maiores e mais sombrias. Embora os títulos das músicas sejam quase sinistros ("Another Day Full Of Dread"), a música é suave e elegante: acordes esparsos de piano, bateria com escovas, um baixo caloroso. A voz de Oldham, doce e frágil, dá força ao tom escuro, violento e emotivo do mundo que descreve. No cerne do álbum encontra-se a faixa-título (que teve uma memorável versão de Johnny Cash), anunciando a sua chegada tão discretamente que bem poderia se tratar da própria morte: "Did you ever, ever notice, the kind of thoughts I got?" ("Você algum dia já notou que tipo de pensamentos eu tenho?"), pergunta uma voz corajosa e trêmula, um reconhecimento dos medos e desejos primários que todos partilhamos. Um marco do folk gótico. (Sophie Harris)

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01. A Minor Place (Oldham)
02. Nomadic Revery (All Around) (Oldham)
03. I See A Darkness (Oldham)
04. Another Day Full Of Dread (Oldham)
05. Death To Everyone (Oldham)
06. Knockturne (Oldham)
07. Madeleine-Mary (Oldham)
08. Song For The New Breed (Oldham)
09. Today I Was An Evil One (Oldham)
10. Black (Oldham)
11. Raining In Darling (Oldham)

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The Jesus And Mary Chain | Psychocandy (1985)

2008-11-13T06:42:00.003-02:00

Tendo assustado todo mundo com "Upside Down", seu single de estréia de 1984, em Creation — uma sucessão de feedbacks de guitara e uma bateria neandertalóides —, Jim e William Reid passaram o ano seguinte encantando o público com uma nova forma de tocar ao vivo. De costas para o público, criavam uma parede impenetrável de feedback e distorção, cuspiam na imprensa e raramente tocavam por mais que 10 minutos.

Assinaram um contrato com a Blanco Y Negro, mas mantiveram Alan McGee como agente e o álbum de estréia foi um trabalho genial. Universalmente aclamado pela crítica musical, é hoje apontado como um dos melhores álbuns de estréia de todos os tempos. Os dois irmãos escoseses descobriram um filão nunca antes explorado, fundindo o pop de praia dos Beach Boys com o som inundado de feedback do Velvet Underground e muito reverb, além da bateria primal de Bobby Gillespie.

Em geral, as pessoas se lembram dos três singles — "You Trip Me Up", "Never Understand" e "Just Like Honey" —, mas o álbum é eletrizante do princípio ao fim. Sua influência é incalculável. Qualquer banda com uma predileção por pedais de efeito e um ouvido para melodias vigorosas deve algo a este disco. Você não pode mais assistir ao grupo ao vivo, mas este álbum é o mais próximo que se pode chegar daquilo que um jornalista comparou a "uma serra elétrica num tufão". (Rod Stanley)

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01. Just Like Honey (Reid, Reid)
02. The Living End (Reid, Reid)
03. Taste The Floor (Reid, Reid)
04. The Hardest Walk (Reid, Reid)
05. Cut Dead (Reid, Reid)
06. In A Hole (Reid, Reid)
07. Taste Of Cindy (Reid, Reid)
08. Some Candy Talking (Reid, Reid)
09. Never Understand (Reid, Reid)
10. Inside Me (Reid, Reid)
11. Sowing Seeds (Reid, Reid)
12. My Little Underground (Reid, Reid)
13. You Trip Me Up (Reid, Reid)
14. Something's Wrong (Reid, Reid)
15. It's So Hard (Reid, Reid)

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The Jesus And Mary Chain | Darklands (1987)

2008-11-13T06:26:00.003-02:00

Depois que Psychocandy soprou vida no rock n' roll em 1985, Jim e William Reid já estavam acostumados a ler matérias na imprensa aconselhando-os a se separarem, já que nada do que pudessem fazer superaria a muralha de feedback e misantropia do outro álbum. Em seu subconsciente, também achavam que já tinham feito tudo, mas agora precisavam mais uma vez desafiar a si mesmos, como músicos e compositores.

No versão de 86 saiu seu novo single de sucesso, "Some Candy Talking". Houve filas nas portas das lojas no dia do lançamento. Nove meses depois, "April Skies", o primeiro gosto de Darklands, entrou no Top 10 inglês. Estrategicamente situado entre a imagem rebelde do início da banda e música para as massas, o single anunciava que o Jesus And Mary Chain tinha potencial suficiente para se tornar sucesso de público. (A seqüência vagamente similar, "Happy When It Rains", seguia na mesma direção, mas não foi tão bem-sucedida).

Agora que já eram uma banda popular que tinha emplacado alguns sucessos, lançaram Darklands, para a alegria da crítica e dos consumidores, que o colocaram entre os cinco mais vendidos. Na escala Richter, merece um oito. Quem sabe o que os novos admiradores acharam da música de abertura bastante lenta ou de sua seqüência ainda mais lenta, "Deep One Perfect Morning"? Eram diametralmente opostas a Psychocandy. Sem feedback. Com violões. Letras compreensíveis. Músicas que aparentemente falavam de amor, não de drogas. "Nine Million Rainy Days" ecoava "Sympathy For The Devil", dos Stones, e "About You" seria reinterpretada mais tarde por Sandie Shaw. Ninguém mais brigava em seus shows. Missão cumprida. A primeira metade dos anos 80 tinha visto o rock atingir a maturidade. Agora a banda havia demonstrado exatamente do que era capaz, e o mundo estava escutando. (David Hutcheon)

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01. Darklands (Reid, Reid)
02. Deep One Perfect Morning (Reid, Reid)
03. Happy When It Rains (Reid, Reid)
04. Down On Me (Reid, Reid)
05. Nine Million Rainy Days (Reid, Reid)
06. April Skies (Reid, Reid)
07. Fall (Reid, Reid)
08. Cherry Came Too (Reid, Reid)
09. On The Wall (Reid, Reid)
10. About You (Reid, Reid)

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Cowboy Junkies | The Trinity Session (1988)

2008-11-13T05:59:00.004-02:00

Michael Timmis e o seu amigo de infância Alan Anton tocavam juntos em bandas desde 1979. Recrutaram Peter, irmão de Michael, em 1984, seguido pela irmã Margo. Naquela época, uma timidez excessiva impedia Margo de cantar à frente da banda. Em vez disso, virava as costas enquanto cantava as belas e frágeis músicas da banda a meia voz.

The Trinity Session foi gravado num único dia usando um só microfone na igreja de Holy Trinity, em Toronto, Canadá, ao custo de US$ 250. Foi uma revelação minimalista. O acompanhamento esparso é complementado por rabeca, bandolim, guitarra slide, gaita e acordeão, resultando numa espécie de música country crepuscular e reduzida. A produção mínima mas excelente garante um ambiente íntimo e por vezes misterioso.

As versões de outras bandas são criações sólidas que revitalizam os originais. A contida "Sweet Jane", em especial, é uma jóia: o clássico de Lou Reed nunca soou tão triste, enquanto "I'm So Lonesome I Could Cry", de Hank Williams, recebeu uma reinterpretação pungente acompanhada pelos acordes dedilhados e a guitarra slide de Kim Deschamps. Se essa faixa ou "To Love Is To Bury" não partir o seu coração, você talvez não tenha um.

A voz de Margo Timmins é sempre impressionante. O seu a capela no lamento "Mining For Gold" é uma abertura comovente, enquanto a interpretação sensual em "Walking After Midnight", um clássico blues arrastado acompanhado por uma gaita melancólica, está repleta de sensualidade. Acachapante! (Karen Conrad)

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01. Mining For Gold (Gordon)
02. Misguided Angel (Timmins, Timmins)
03. Blue Moon Revisited (Song For Elvis) (Timmins, Timmins, Rodgers, Hart)
04. I Don't Get It (Timmins, Timmins)
05. I'm So Lonesome I Could Cry (Williams)
06. To Love Is To Bury (Timmins, Timmins)
07. 200 More Miles (Timmins)
08. Dreaming My Dreams With You (Reynolds)
09. Working On A Building (Traditional)
10. Sweet Jane (Reed)
11. Postcard Blues (Timmins)
12. Walking After Midnight (Hecht, Block)

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Mudhoney | Every Good Boy Deserves Fudge (1991)

2008-10-29T00:59:00.003-02:00

Devido à falta de sucesso comercial em comparação com seus colegas de Seattle, os que não vêem mérito nessa banda dizem que são "os caras do Green River que não tocaram com o Pearl Jam". Já os fãs dizem que são os pioneiros do movimento grunge. Este terceiro disco, cru e frenético, sustenta o argumento dos fãs.

O disco foi um sucesso nos circuitos musicais independentes, confirmando a condição do grupo como ídolo cult nas rádios universitárias.

Com letras excêntricas e um som furioso preenchido por guitarras e bateria pesada, o Mudhoney soava como uma banda de garagem dos anos 50 cheia de anfetamina. Músicas como "Thorn" demonstram as habilidades do baterista Dan Peters para o surf-rock e os riffs no estilo dos anos 50 do guitarrista Steve Turner, ao mesmo tempo em que antecipam o som do grunge. O principal single do disco, "Let It Slide", tornou-se um pequeno sucesso do grunge, com letras lamuriosas e a fantástica mistura de Seattle de guitarras distorcidas, melodias cantarolávies e tendências niilistas.

O álbum é lembrado como um longo e orgulhoso olhar de escárnio, do título irreverente ao jeito de cantar e suas letras. "Into The Drink", uma música sobre jogar uma namorada dentro de um rio, tem seu título gritado repetidas vezes por uma galera durante seu refrão. Conseguiram achar um uso irônico até mesmo para o órgão e a gaita.

O estilo do Mudhoney nunca gerou um disco de platina, mas contribuiu para fazer deste disco um clássico e um dos melhores em seu gênero. (Jason Chow)

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01. Generation Genocide (Arm, Turner, Peters, Lukin)
02. Let It Slide (Arm, Turner, Peters, Lukin)
03. Good Enough (Arm, Turner, Peters, Lukin)
04. Something So Clear (Arm, Turner, Peters, Lukin)
05. Thorn (Arm, Turner, Peters, Lukin)
06. Into The Drink (Arm, Turner, Peters, Lukin)
07. Broken Hands (Arm, Turner, Peters, Lukin)
08. Who You Drivin' Now? (Arm, Turner, Peters, Lukin)
09. Move Out (Arm, Turner, Peters, Lukin)
10. Shoot The Moon (Arm, Turner, Peters, Lukin)
11. Fuzzgun '91 (Arm, Turner, Peters, Lukin)
12. Pokin' Around (Arm, Turner, Peters, Lukin)
13. Don't Fade IV (Arm, Turner, Peters, Lukin)
14. Check-Out Time (Arm, Turner, Peters, Lukin)

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Death In Vegas | The Contino Sessions (1999)

2008-09-20T21:06:00.003-03:00

Graças ao trabalho do DJ Richard Fearless no clube Heavenly Social de Londres, juntamente com o Chemical Brothers, o Death In Vegas viu-se associado à florescente cena big beat que se expandia pelas pistas de dança da Inglaterra em fins dos anos 90. Mas Fearless e David Holmes — juntamente com o guitarrista Ian Button e o baixista Matt Flint — puseram um ponto final nas associações com este novo disco, com o título retirado do Contino Studios, em Clerkenwell, Londres.

"Dirge", a música de abertura, começa com uma guitarra e um acompanhamento vocais minimalistas da namorada de Fearless, Dot Allison, para se converter em seguida num crescendo de ruído de sintetizadores analógicos e torrentes de guitarra. "Soul Auctioneer", de inspiração dub, com participação de Bobby Gillespie, concretiza a admiração mútua entre o Death In Vegas e o Primal Scream. O tom sombrio do álbum prossegue em "Death Threat", repleta de feedback e eletrônica industrial. "Flying" tem uma ambiência mais espacial, recordando os primórdios do Can. Segue-se "Aisha", de Iggy Pop, uma narrativa sobre um assassino em série, possivelmente o seu trabalho mais marcante desde a época do Stooges. O ex-vocalista do Jesus And Mary Chain, Jim Reid, evoca o seu antigo grupo na mórbida música "Dance Little Sister", enquanto que "Aladdin's Story", embelezada pelos grandes talentos vocais do London Community Gospel Choir, é o único momento de consolo entre tanta intensidade sombria.

Caminhando entre a música rock contemporânea e o experimentalismo eletrônico, o ecleticismo gótico de The Contino Sessions — assim como Mezzanine, do Massive Attack — provou que forças obscuras haviam substituído o otimismo da cultura clubber. (Chris Shade)

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01. Dirge (Fearless, Whitlock)
02. Soul Auctioneer (Fearless, Holmes, Gillespie)
03. Death Threat (Fearless, Holmes)
04. Flying (Fearless, Holmes)
05. Aisha (Fearless, Holmes, Pop, Hellier)
06. Lever Street (Fearless, Holmes)
07. Aladdin's Story (Fearless, Holmes, Unknown)
08. Broken Little Sister (Fearless, Holmes, Reid, Button, Flint)
09. Neptune Sister (Fearless, Holmes)

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Nick Cave And The Bad Seeds | Henry's Dream (1992)

2008-09-01T00:30:00.005-03:00

Henry's Dream é o sétimo álbum de Nick Cave And The Bad Seeds. É vibrante, melancólico, comovente e triste. Presságios do Antigo Testamento fazem parte do vasto repertório de Nick Cave e Henry's Dream continua a tradição: essas são músicas sobre sofrimento e pecado.

O disco começa com a fenomenal "Papa Won't Leave You, Henry", uma faixa arrepiante e catastrófica, onde se prepara o terreno para o ataque sonoro iminente (muito peculiarmente, a primeira nota dessa música foi acompanhada por chuva e trovões quando ele e sua banda tocavam num festival em Melbourne). Os aveludados violões e os arranjos de cordas, cortesia de Mick Harvey e David Blumberg, acrescentam uma camada adicional à dinâmica.

A interpretação de Cave é dramática e firme, seja na vocalização solene de "Christina The Astonishing", nos gritos intenstos de "I Had A Dream, Joe", nos rosnados guturais de "Jack The Ripper" ou nos cânticos estrondosos de "Brother, My Cup Is Empty". As suas histórias de pessoas condenadas e destroçadas criam um som desconfortável mas envolvente, com freqüentes toques de seu característico humor negro — "I counted up my blessings/And I counted only one" ("Contei as minhas bênçãos/e só contei uma").

No entanto, entre o caos e a tragédia existem músicas tocantes que falam de amor, como a delicada "Straight To You" e o lamento amoroso "The Loom Of The Land", ainda que sua ternura seja misturada a tons sombrios — um dos jovens amantes carrega uma faca. Vigoroso, vulgar e romântico ao mesmo tempo, Henry's Dream é sobretudo um pesadelo delicado. (Mary Boukouvalas)

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01. Papa Won't Leave You, Henry (Cave)
02. I Had A Dream, Joe (Cave)
03. Straight To You (Cave)
04. Brother, My Cup Is Empty (Cave)
05. Christina The Astonishing (Cave)
06. When I First Came To Town (Cave)
07. John Finn's Wife (Cave)
08. Loom Of The Land (Cave)
09. Jack The Ripper (Cave)

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Beck | Odelay (1996)

2008-08-22T21:38:00.004-03:00

Em Odelay, o seu segundo álbum para uma grande gravadora, Beck Hansen tinha algo para provar. Com o single "Loser", de 1994, ele tinha alcançado um sucesso fenomenal. A música foi considerada o "hino dos indolentes". O seu refrão — "I'm a loser baby, so why don't you kill me" ("Sou um fracassado, querida, então por que você não me mata?") — tournou-se um slogan mundial e o jovem de 24 anos foi transformado em ícone para a Geração X.

Mas esse rapaz de Los Angeles não era um viciado em drogas: "Loser" era tão irônica quanto a sua outra música independente, "MTV Makes Me Want To Smoke Crack". Rebelde e criativo, ele gostava tanto de folk quanto de hip-hop e dominava tanto bons passos de dança quanto poses de roqueiro. Também sabia gravar com uma sonoridade lo-fi, embora dominasse as técnicas de produção de ponta.

Com Odelay, Beck conseguiu o feito de juntar todas essas idéias tão díspares num único e vibrante trabalho. Eles e juntou ao Dust Brothers, o duo de produtores-artistas responsável pela vibração energética de Paul's Boutique, do Beastie Boys. Foi uma aliança especialmente produtiva: já na primeira música, "Devils Haircut", ele tinha um sample de James Brown, riffs poderosos, ritmos quentes e uma miscelânea brilhante de truques e artimanhas musicais. "The New Pollution" começa como um pop despretencioso, mas em seguida seqüestra o ritmo de "Taxman", dos Beatles. "Where It's At" é hip-hop funkeado, enquanto "Jack-Ass" é uma balada country construída sobre um belo cover que o Them havia feito sobre "It's All Over Now, Baby Blue", de Bob Dylan.

Assustadoramente eclético, Odelay é o som de um jovem inconformista que está se divertindo e que posui uma força de vontade irredutível. Vendeu dois milhões de cópias, gerou vários hits na MTV e ganhou dois Grammys. Um novo tipo de gênio tinha surgido. (Malik Meer)

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01. Devils Haircut (Hansen, King, Simpson)
02. Hotwax (Hansen, King, Simpson)
03. Lord Only Knows (Hansen)
04. The New Pollution (Hansen, King, Simpson)
05. Derelict (Hansen, King, Simpson)
06. Novacane (Hansen, King, Simpson)
07. Jack-Ass (Hansen, King, Simpson)
08. Where It's At (Hansen, King, Simpson)
09. Minus (Hansen)
10. Sissyneck (Hansen, King, Simpson)
11. Readymade (Hansen, King, Simpson)
12. High 5 (Rock The Catskills) (Hansen, King, Simpson)
13. Ramshackle (Hansen)
14. Diskobox (Hansen, King, Simpson)

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Drive Like Jehu | Yank Crime (1994)

2008-08-22T21:35:00.005-03:00

O grande mestre do punk rock de San Diego, John "Speedo" Reis, foi o responsável por inúmeros clássicos que passaram completamente despercebidos na década passada. A sua banda mais conhecida — Rocket From The Crypt, com seu estilo punkabilly e vestígios de soul — conseguiu um pequeno vislumbre do mainstream em meados de 1990 e ainda mantém fãs devotos e cheios de tatuagens em todo o planeta. Drive Like Jehu, que funcionava em paralelo ao Rocket From The Crypt, não é muito conhecido fora do circuito punk underground, mas este segundo e último trabalho é um rock inovador e abrasivo que ainda hoje consegue deixar o sangue em ebulição.

O desenho tosco e monocromático da capa de Yank Crime foi feito pelo guitarrista e principal "gritador" Rick Froberg. Lembra as famosas capas criadas por Raymond Pettibon para o Black Flag e diz muito sobre a música que está lá dentro. A fusão feita pelo Fugazi de hardcore extremo com uma dinâmica imprevisível é uma referência óbvia, assim como o Wipers, grupo que Reis admirava e uma das grandes bandas esquecidas de art punk dos anos 80, cuja maneira de entrelaçar as linhas de guitarra está presente em Yank Crime. Isso tudo se traduz nos ruídos de guitarra em "Here Come The Rome Plows" e "Golden Brown" (que não tem relação alguma com a música do Stranglers) e nas repetições arrastadas e retorcidas de "Luau".

Reis afirmou mais tarde que este álbum foi bem difícil de produzir, em parte devido ao esforço para ajustar suas complexas reviravoltas e mudanças. Drive Like Jehu se dissolveu como resultado disso. Reis e Froberg atualmente lideram o grupo ainda mais irado Hot Snakes e a dupla continua trabalhando para a evolução gradual do punk. Este disco é uma visão imperdível do momento em que deram um de seus maiores passos. (Jim Harrington)

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01. Here Come The Rome Plows (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
02. Do You Compute (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
03. Golden Brown (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
04. Luau (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
05. Super Unison (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
06. New Intro (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
07. New Math (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
08. Human Interest (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)
09. Sinews (Froberg, Reis, Kennedy, Trombino)

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Happy Mondays | Pills 'N' Thrills And Bellyaches (1990)

2008-08-22T21:32:00.005-03:00

Pills 'N' Thrills And Bellyaches (uma referência ao estilo de vida do Happy Mondays — clubes noturnos e drogas) chegou ao primeiro lugar das paradas na Inglaterra com sua capa ilustrada por uma colagem psicodélica de invólucros de doces. Paul Oakenfold e seu colaborador Steve Osbourne tinham feito bastante sucesso com um cover de uma música de John Kongos, "He's Gonna Step On You Again", regravada pela banda. Renomeada de "Step On", seu piano house, sua linha de baixo dançante e o ritmo shuffle geraram o maior sucesso do Happy Mondays.

O funk sujo e industrial do grupo foi alterado por ritmos dance mais sutis. O gênio deturpado do letrista Shaun Ryder atinge novos patamares com sua visão absolutamente particular da vida moderna — empregos chatos, drogas, sexo, violência e má qualidade de vida. "Kinky Afro", uma conversa entre pai cheio de autopiedade que abandonou o filho e o seu filho desdenhoso, foi considerada por Tony Wilson, chefão da Factory, como "a melhor reflexão sobre a paternidade desde Prayer For My Daughter de WB Yeats". O gancho da música foi extraído intacto de "Lady Marmelade", de LaBelle. As influências de música latina, jazz e hip-hop modelam algumas das faixas mais notáveis do álbum como "Donovan" — um tributo ao cantor folk dos anos 60 — e a sórdida "Bob's Your Uncle". "Loose Fit" mistura texturas de dub com referências ligeiramente veladas às calças boca-de-sino que o grupo tinha trazido de novo à moda, enquanto "God's Cop" satiriza James Anderton, na época chefe de polícia de Manchester, que afirmava ter uma linha direta para falar com Deus.

Nunca voltariam a atingir um ponto tão alto, mas o Happy Mondays contribuiu para que a música rock entrasse aos gritos e pontapés na era do ecstasy. (Chris Shade)

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01. Kinky Afro (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
02. God's Cop (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
03. Donovan (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
04. Grandbag's Funeral (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
05. Loose Fit (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
06. Dennis And Lois (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
07. Bob's Yer Uncle (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
08. Step On (Kongos, Demetriou)
09. Holiday (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)
10. Harmony (Ryder, Ryder, Day, Davis, Whelan)

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Genesis | Selling England By The Pound (1973)

2008-08-22T21:29:00.004-03:00

O quinto álbum do Genesis representou um salto espetacular para o grupo, em termos criativos e comerciais. Muitos fãs ainda consideram este disco o melhor da banda, com ou sem Peter Gabriel.

Apesar de não ser um álbum conceitual como o seguinte, The Lamb Lies Down On Broadway, suas letras fazem uma crônica sarcástica da Inglaterra da época, um país que sofria com a competição industrial e com a instabilidade econômica, num contraste absoluto com o colorido e a energia dos anos 60. Esse tom é determinado já na faixa de abertura, "Dancing With The Moonlit Knight", na qual Peter Gabriel, sem acompanhamento, pergunta: "Can you tell me where my country lies?". A partir daí, as lendas do Rei Artur e as histórias cantadas por menestréis medievais se combinam com as críticas do grupo ao consumismo, à americanização da cultura britânica e ao desgaste dos valores há muito tempo estabelecidos na sociedade.

O trabalho surrealista de Paul Whitehead havia sido usado nas capas dos álbuns anteriores, Trespass, Nursery Cryme e Foxtrot. Desta vez, a banda escolheu uma pintura naif de Betty Swanwick, que inspirou "I Know What I Like (In Your Wardrobe)" — um sucesso surpreendente que, sem dúvida, ajudou Selling England By The Pound a chegar ao terceiro lugar na Inglaterra. "Firth Of Fifth", uma obra-prima do rock progressivo, também merece ser mencionada. E com "The Battle Of Epping Forest" e "The Cinema Show", duas epopéias com cerca de 11 minutos de duração, este disco se situa muito acima do trabalho menor do Genesis nos anos posteriores.

A banda tinha conseguido, recentemente, entrar nos Top 10, com um álbum ao vivo. Dali por diante, o Genesis se tornou uma commodity rentável, mesmo com a saída do carismático líder Gabriel e a promoção controvertida do baterista Phil Collins para o posto de principal vocalista. (Michael Heatley)

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01. Dancing With The Moonlit Knight (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
02. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
03. Firth Of Fifth (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
04. More Fool Me (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
05. The Battle Of Epping Forest (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
06. After The Ordeal (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
07. The Cinema Show (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)
08. Aisle Of Plenty (Banks, Collins, Gabriel, Hackett, Rutherford)

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The Mars Volta | De-Loused In The Comatorium (2003)

2008-07-16T15:20:00.004-03:00

O grupo At The Drive-In festejava o híbrido do hardcore propulsivo do Fugazi e era uma obra bem acabada de Ross Robinson, gênio de estúdios do nu-metal. Ganhou a aclamação da crítica e ameaçou cruzar para o mainstream. Mas seu panic-rock mascarava divisões internas: o guitarrista Omar Rodriguez-Lopez e o vocalista Cedric Bixler Zavala se sentiram tolhidos pelas limitações de seus companheiros de banda. O At The Drive-In foi dividido no início de 2001 e então surgiu o The Mars Volta para ir além do circuito hardcore.

Os músicos buscaram inspiração nas canções de origem latina que fizeram parte da infância de Omar em Porto Rico, no seu amor por Fela Kuti, na eloqüência da obra de Miles Davis nos anos 70 e no fascínio pela música eletrônica abstrata. Também se inspiraram em suas experiências com drogas e em Julio Venegas, um artista de sua cidade natal, El Paso, que ficou com o braço paralisado depois de injetar veneno de rato e que acabou cometendo suicídio após sobreviver a um coma induzido por overdose.

De-Loused In The Comatorium é um álbum lúcido, uma espécie de visão turva de Dalí, retratando os sonhos febris de um Venegas moribundo através de uma mutação progressiva de hardcore tomado por um ritmo militante. Além da complexidade da música, existe seu poder emocional, um sentimento de dor nostálgico e vulnerável articulado por melodias épicas e atormentadas e pelos vocais comoventes de Cedric. Eles lembram muito um Led Zeppelin do século 21, criados em meio à salsa e ao Afrobeat, funkadelia e o futuro. (Stevie Chick)

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01. Son Et Lumière
02. Inertiatic ESP
03. Roulette Dares (The Haunt Of)
04. Tira Me A Las Arañas
05. Drunkship Of Lanterns
06. Eriatarka
07. Cicatriz ESP
08. This Apparatus Must Be Unearthed
09. Televators
10. Take The Veil Cerpin Taxt

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The Birthday Party | Junkyard (1982)

2008-07-08T14:14:00.004-03:00

O grupo Birthday Party mudou-se da Austrália para Londres em 1980, achando que a Inglaterra estava dominada por bandas igualmente duronas, como The Fall e The Pop Group. Em vez disso, tiveram o desgosto de descobrir que a cidade fora tomada pela febre dos new romantics. Assinaram contrato com a 4AD, lançaram Prayers On Fire em 1981 e começaram a chamar atenção por suas apresentações ao vivo, enlouquecidas e por vezes violentas, além do apoio do DJ de rádio John Peel, graças a seu single gótico "Release The Bats".

Junkyard foi gravado em circunstâncias caóticas: Tracy Pew tinha sido condenado a três meses de prisão por roubo e dirigir embriagado; o baterista Phill Calvert estava sendo afastado da banda aos poucos; e grandes quantidades de álcool e drogas alimentavam o blues psicótico e sórdido da banda. O caos se transformou em uma música poderosa e crua que muitas vezes soa como se cada integrante da banda estivesse tocando uma música diferente.

As letras de Nick Cave vão da misoginia assassina de "6" Gold Blade" ao esmurrante "Hamlet (Pow, Pow, Pow)", no qual o príncipe da Dinamarca de Shakespeare é representado como um maníaco por armas que dirige um Cadillac. Considerando-se que a banda tinha uma reputação de roubar carros, talvez "Dead Joe" — um monólogo sobre acidentes de carro seguindo o estilo de Crash, do escritor Ballard — seja autobiográfica. As imagens drag-strip de "Big-Jesus-Trash-Can" são ecoadas na imagem mecanicamente grotesca da capa.

Esta banda tão volátil separou-se de forma explosiva um ano depois, mas Junkyard continua a ser um documento atemporal daquela que muitos consideram a banda de rock mais original da Austrália. (Chris Shade)

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01. Blast Off!
02. She's Hit
03. Dead Joe
04. The Dim Locator
05. Hamlet (Pow, Pow, Pow)
06. Several Sins
07. Big-Jesus-Trash-Can
08. Kiss Me Black
09. 6" Gold Blade
10. Kewpie Doll
11. Junkyard
12. Dead Joe (2nd Version)
13. Release The Bats

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Nine Inch Nails | The Downward Spiral (1994)

2008-07-08T14:13:00.006-03:00

Quer algo sombrio mas alegre? Experimente The Cure. Brilhante e sombrio? Talvez o Pink Floyd. Desagradável, barulhento, suicida e sombrio? Viva o Nine Inch Nails!

"A visão geral", disse o líder Trent Reznor, "era de alguém que jogasse fora todos os aspectos de sua vida — dos relacionamentos à religião. [A idéia também é] encarar os vícios como formas de tentar enfraquecer a dor. Estou falando sobre mim... Não que seja um grande salto para mim.".

Essa ode à dor nasceu na casa em que Charles Manson e os seus seguidores assassinaram a atriz Sharon Tate. As más vibrações estavam em toda parte: Tori Amos, que estava de visita, não conseguiu cozinhar um frango para o subnutrido Reznor e concluiu que a casa estava amaldiçoada. O terror impregna essas músicas, ainda que Reznor negue que a repetição recorrente de "pigs" esteja relacionada com "Piggies", música dos Beatles que se tornou um hino de Manson. Entre as músicas mais elaboradas, como "March Of The Pigs", encontram-se momentos sedutores. A dançante "Closer", que usa um sample de bateria de "Nightclubbing" de Iggy Pop, tem um dos refrões mais citados na época: "I want to fuck you like an animal" ("Quero trepar com você como um animal"). Por fim chegamos a "Hurt". "A melhor faixa contra as drogas que já ouvi", afirmou Johnny Cash, cuja versão dessa mesma música foi seu epitáfio. O comovente vídeo de Cash foi assinado por Mark Romanek, que também dirigiu o clipe da música "Closer".

The Downward Spiral é provavelmente um dos discos multiplatina mais difíceis de se ouvir. Se o disco lhe "disser algo" e você não for o Reznor, melhor ficar preocupado. Mas as guitarras dilacerantes, as baterias ensurdecedoras e as músicas como um todo são intoxicantes e contagiantes.

E o frango de Tori Amos? "Não perguntei", disse Reznor encolhendo os ombros. "Provavelmente foi comido pelos fantasmas.". (Bruno MacDonald)

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01. Mr. Self Destruct (Reznor)
02. Piggy (Reznor)
03. Heresy (Reznor)
04. March Of The Pigs (Reznor)
05. Closer (Reznor)
06. Ruiner (Reznor)
07. The Becoming (Reznor)
08. I Do Not Want This (Reznor)
09. Big Man With A Gun (Reznor)
10. A Warm Place (Reznor)
11. Eraser (Reznor)
12. Reptile (Reznor)
13. The Downward Spiral (Reznor)
14. Hurt (Reznor)

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Madness | The Rise & Fall (1982)

2008-06-11T23:44:00.006-03:00

O Madness estava em ascensão quando lançou o seu quarto álbum, The Rise & Fall. Depois de "House Of Fun" e a coletânea de sucessos Complete Madness subirem ao topo das paradas inglesas, tudo parecia estar bem resolvido. Essa confiança gerou um álbum rico e sombrio, onde as excentricidades passadas foram transformadas em algo ligeiramente macabro, mas ainda assim lindamente pop.

Uma espécie de álbum conceitual, este trabalho foi planejado como um ciclo de músicas baseado em memórias de infância. Foi o que inspirou a melancólica "Our House", de Carl Smyth, que filtrava recordações queridas através de sua visão irônica e chegou ao Top 10 da parada de sucessos americana.

Outras músicas eram esboçadas sobre telas mais amplas, porém igualmente pessoais. A faixa-título, com seu clima melancólico, abre o álbum de forma dura, com o cantor Suggs recordando a sua infância no decadente ambiente proletário de Liverpool. Outras letras falam de organizações clandestinas e sinistras ("Blue Skinned Beast"), políticos charlatães ("Mr. Speaker (Gets The Word)") e voyeurismo alienado ("Primrose Hill"). Esse conjunto alucinógeno de temas apresenta um retrato vívido da Inglaterra, equivalente ao do The Village Green Preservation Society, dos Kinks.

Como as grandes comédias que The Rise & Fall evocava, o dom do Madness estava em seu exagero. "Tomorrow's (Just Another Day)", um grito de desespero detrás das grades, tem uma melancolia avassaladora.

Foram coisas assim que deram ao disco uma ressonância mais profunda do que a pantomima da capa sugere e também assinalaram o tom mais sério que os álbuns seguintes teriam. O tom geral de angústia e paranóia, mais aparente no quase psicodélico diário de turnê "New Delhi", também assinalava o desgaste interno que resultaria na saída do tecladista Mike Barson em 1983, durante a gravação de Keep Moving. (Stevie Chick)

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01. Rise And Fall (McPherson, Foreman)
02. Tomorrow's (Just Another Day) (Smyth, Barson)
03. Blue Skinned Beast (Thompson)
04. Primrose Hill (McPherson, Foreman)
05. Mr. Speaker (Gets The Word) (McPherson, Barson)
06. Sunday Morning (Woodgate)
07. Our House (Smyth, Foreman)
08. Tiptoes (McPherson, Barson)
09. New Delhi (Barson)
10. That Face (McPherson, Foreman)
11. Calling Cards (Thompson, Foreman)
12. Are You Coming (With Me) (Thompson, Barson)
13. Madness (Is All In The Mind) (Foreman)

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Dinosaur Jr. | You're Living All Over Me (1987)

2008-06-10T17:46:00.002-03:00

Com seu título retirado de algo que J Mascis vociferou durante uma de suas explosões de raiva dentro de um ônibus de turnê, You're Living All Over Me captou toda a essência da besta turbulenta e disfuncional que era o Dinosaur Jr. no ponto mais alto de sua carreira. Puxado por choques intensos entre o altivo e arredio guitarrista Mascis e o emotivo baixista Lou Barlow, a fusão apaixonada do Dinosaur Jr. de riffs, de heavy, melodias country e ruído pós-punk era uma mistura volátil e explosiva, tal como o grupo.

A música de abertura é "Little Fury Things" (com a colaboração do "Dino-fã" Lee Ranaldo, do Sonic Youth, nos backing vocals), uma declaração de intenções: dar ao rock formas novas e mais radicais, até que seus clichês voltassem a ser expressivos novamente. Assim, "Sludgefeast" apresenta fantasias sonhadoras sobre riffs pesados inspirados no Black Sabbath, enquanto "The Lung" eleva uma pequena e tola cantiga ao status de rock alternativo no estilo do Lynyrd Skynyrd graças aos solos fluidos e vigorosos de Mascis. No restante do álbum, o Dinosaur explora territórios de influência industrial: muros de ruído engolem a sonolenta "Tarpit". Das duas músicas de Barlow, o folk viajante de "Poledo" foi composto na solidão da sua casa. "Tinha começado a fumar um baseado" — disse o baixista — "e tudo estava soando maravilhosamente bem!".

Na turnê que se seguiu ao lançamento, as tensões internas chegaram a extremos insuportáveis. Em 1988, Bug foi lançado, mas foi o último trabalho do grupo. Durante os valiosos 40 minutos de You're Living All Over Me, contudo, a banda conseguiu produzir uma bela — ainda que passageira — harmonia. (Stevie Chick)

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01. Little Fury Things (Mascis)
02. Kracked (Mascis)
03. Sludgefeast (Mascis)
04. The Lung (Mascis)
05. Raisans (Mascis)
06. Tarpit (Mascis)
07. In A Jar (Mascis)
08. Lose (Barlow)
09. Poledo (Barlow)
10. Show Me The Way (Frampton)
11. Just Like Heaven (Smith, Gallup, Thompson, Tolhurst, Williams)

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Dinosaur Jr. | Bug (1988)

2008-06-10T17:44:00.002-03:00

Poucas bandas têm um nome tão adequado quanto o Dinosaur Jr., um trio que fundia as influências jurássicas do rock tradicional com uma necessidade impetuosa e quase infantil de expressar uma fúria raivosa, o que lhes deu a reputação de serem os legítimos herdeiros do Sonic Youth ao trono de senhores supremos dos ruídos de vanguarda. Essa combinação de sons antigos e novos tornou-os pioneiros do rock independente americano — ruidosos, caóticos e melódicos ao mesmo tempo, o seu estilo seria uma grande influência para inúmeras bandas da geração slacker. Bug foi o terceiro e último álbum da banda na sua formação original. O guitarrista e vocalista J Mascis expulsou o baixista Lou Barlow (que depois iria formar o Sebadoh) no ano seguinte.

Dinosaur Jr. era a banda de J Mascis: além de anotar cuidadosamente cada música, também dizia aos seus companheiros como tocar suas partes. Apesar desse controle autoritário, cada integrante da banda toca como um virtuoso enraivecido, quase como forma de protesto, e os benefícios podem ser claramente notados em faixas como "Freak Scene" (que alcançou o top das listas indie inglesas) e "They Always Come". As melodias elaboradas de Mascis se sobrepõem aos sons de guitarra mais densos (gravados em vários canais e sobrepostos) desse gênero. As linhas de baixo inovadoras do baixista Lou Barlow parecem entrar e sair das melodias enquanto o baterista Murph aumenta a agressividade do som com viradas rápidas, inspiradas pelo heavy metal.

Mascis estava consciente da importância de melodias contagiosas. Obviamente um fã do rock e do folk clássicos, as suas melodias e a sua performance como vocalista fazem lembrar Neil Young, especialmente em "Pond Song" e "Keep The Glove" — nas quais canta melodias tão antigas como o próprio rock por cima do caos sonoro juvenil criado pelo resto da banda. (Jason Chow)

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01. Freak Scene (Mascis)
02. No Bones (Mascis)
03. They Always Come (Mascis)
04. Yeah We Know (Mascis)
05. Let It Ride (Mascis)
06. Pond Song (Mascis)
07. Budge (Mascis)
08. The Post (Mascis)
09. Don't (Mascis)

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Hüsker Dü | Warehouse: Songs And Stories (1987)

2008-06-10T15:51:00.002-03:00

Muitas vezes o reconhecimento crítico também significa que um disco é impossível de ouvir. Era isso que ocorria com o hardcore inicialmente produzido pelos Hüsker Dü. Em 1985, contudo, esses rapazes trocaram a velocidade por composições de qualidade e desenvolveram um som que traçaria o caminho para toda uma geração. Esse som — guitarras furiosas, baterias implacáveis e ganchos no melhor estilo Beatles — foi sendo refinado ao longo dos dois anos que se seguiram. "Chegou a ser um ritual", afirmou o guitarrista Bob Mould. "[Warehouse] era exatamente igual aos três álbuns anteriores".

De certa forma, tinha razão. O disco diferencia-se de Candy Apple Grey (1986) por ser mais longo e ter uma capa mais bonita. Mas Warehouse é um testemunho admirável do que pode ser feito quando as grandes forças motrizes de um grupo — neste caso, Mould e o baterista Grant Hart — têm aversão um ao outro.

Mould ganhou no número de músicas (11 contra 9 do seu rival), tendo se recusado — segundo Hart — a que cada um compusesse exatamente a metade. Hart trouxe mais diversidade, graças à solene "Charity, Chastity And Hope", "She Floated Away", o rock "Actual Conditions" e a furiosa "You Can Live At Home".

Mas Mould também tinha algumas pérolas: "Could You Be The One?" antecipa-se à sensibilidade pop que ele iria trabalhar em sua próxima banda, o Sugar. A melhor e mais ilustrativa é "Friend, You've Got To Fall", um golpe baixo de Mould para criticar o entusiasmo de Hart em relação à heroína.

O grupo dissolveu-se durante a turnê deste disco e as feridas continuam abertas. Não poderiam ter tido um epitáfio melhor. (Bruno MacDonald)

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01. These Important Years (Mould)
02. Charity, Chastity, Prudence And Hope (Hart)
03. Standing In The Rain (Mould)
04. Back From Somewhere (Hart)
05. Ice Cold Ice (Mould)
06. You're A Soldier (Hart)
07. Could You Be The One? (Mould)
08. Too Much Spice (Hart)
09. Friend, You've Got To Fall (Mould)
10. Visionary (Mould)
11. She Floated Away (Hart)
12. Bed Of Nails (Mould)
13. Tell You Why Tomorrow (Hart)
14. It's Not Peculiar (Mould)
15. Actual Condition (Hart)
16. No Reservations (Mould)
17. Turn It Around (Mould)
18. She's A Woman (And Now He Is A Man) (Hart)
19. Up In The Air (Mould)
20. You Can Live At Home (Hart)

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Butthole Surfers | Locust Abortion Technician (1987)

2008-06-10T15:48:00.004-03:00

Durante os anos 80, a comunidade hardcore e punk dos EUA parecia estar imersa em uma competição acirrada para ver quem conseguia o som mais radical. Ninguém se igualou aos Butthole Surfers.

Neste disco, tudo é incorreto. Ele começa com uma exuberante seção de cordas enquanto um menino pergunta a seu pai o que é arrependimento. O pai dá a resposta: "it's better to regret something you have done than something you haven't" ("é melhor se arrepender de algo que você fez do que daquilo que deixou de fazer"), antes de gritar "Satan! Satan!" ao mesmo tempo que a banda entra em uma anárquica desconstrução do riff de "Sweet Leaf", do Black Sabbath. Em "22 Going 23", um riff de guitarra similar a um delirium tremens e percussões tribais servem de base para uma ouvinte contando, em um programa de rádio ao vivo, como foi estuprada. Apenas "Human Cannonball" soa como uma música mais ou menos normal: uma injeção de três minutos e meio de adrenalina para deixar claro que a banda podia fazer punk rock com estilo se quisesse. Eles apenas tinham decidido que não queriam.

A arte da capa é altamente indicativa das múltiplas perversões naturais dos Butthole Surfers. O fato de o grupo ser obcecado por John Wayne Gacy (um maníaco pedófilo e assassino psicopata), combinado com o título do álbum, deixa claro que este trabalho não tem nada de inocente.

É fato que, antes de 1987, não houve outro disco tão pesado ou estranho quanto este e muitos dirão que até hoje nada mudou. (John Doran)

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01. Sweat Loaf (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
02. Graveyard (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
03. Pittsburgh To Lebanon (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
04. Weber (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
05. Hay (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
06. Human Cannonball (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
07. U.S.S.A. (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
08. The O-Men (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
09. Kuntz (unknown Thai artist)
10. Graveyard (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)
11. 22 Going On 23 (Haynes, Leary, Pinkus, Coffey, Nervosa)

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The Pogues | Rum, Sodomy & The Lash (1985)

2008-06-06T08:43:00.006-03:00

Rum, Sodomy & The Lash é um trabalho de uma beleza nua e crua. Enquanto o álbum de estréia Red Roses For Me tinha sido excessivamente produzido e se apoiava demasiadamente em imagens tiradas de porres, este segundo disco transpira paixão, poesia e energia. Os créditos dessa transição pertencem em parte a Elvis Costello, que foi seu produtor e deu ao som de briguento da banda espaço para respirar. "Wild Cats Of Kilkenny" e "Sally MacLennane" rugem como uma luta regada a cerveja Guinness entre o Dubliners e o Sex Pistols: a fusão perfeita da tradição folk irlandesa com a agressividade punk.

Elvis Costello — que se casou com a baixista Cait O'Riordan no ano seguinte — escreveu mais tarde que o seu trabalho neste álbum foi sentar-se, ficar quieto e captar a banda "em sua glória dilapidada, antes que algum produtor mais profissional os detonasse".

Contudo, o álbum é mais que uma coleção de danças desordeiras. O vocalista Shane MacGowan tinha evoluído como letrista e, com poucas tiradas, conseguia pintar toda uma atraente galeria de personagens do submundo. Em "The Old Main Drag", retrata a lenta decadência de um prostituto londrino. A triste "A Pair Of Brown Eyes" é cantada a partir da perspectiva de um veterano mutilado da Primeira Guerra Mundial.

Lançado no mesmo ano do multimilionário Brothers In Arms, do Dire Straits, Rum, Sodomy & The Lash soava maravilhosamente fora de sincronia com esta fase dos anos 80. Sua majestade maltrapilha fez com que chegasse às 20 Mais na Inglaterra e angariou um novo fã: Tom Waits, que declarou adorar a "decadência estilo Ilha Do Tesouro" da banda. (Theunis Bates)

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01. The Sick Bed Of Cúchulainn (MacGowan)
02. The Old Main Drag (MacGowan)
03. Wild Cats Of Kilkenny (MacGowan, Finer)
04. I'm A Man You Don't Meet Every Day (Traditional)
05. A Pair Of Brown Eyes (MacGowan)
06. Sally MacLennane (MacGowan)
07. A Pistol For Paddy Garcia (Finer)
08. Dirty Old Town (MacColl)
09. Jesse James (Traditional)
10. Navigator (Gaston)
11. Billy's Bones (MacGowan)
12. The Gentleman Soldier (Traditional)
13. And The Band Played Waltzing Matilda (Bogle)

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Mekons | Fear And Whiskey (1985)

2008-06-01T18:37:00.003-03:00

Os Mekons são uma das bandas mais brilhantes e subestimadas da Inglaterra. Foram formados como um coletivo meio vago em Leeds, em 1977, quando começaram a mexer com o equipamento do Gang Of Four, lançaram dois LPs caóticos (além do single "Never Been In A Riot", em resposta ao The Clash) e depois pararam por algum tempo. Inspirados pelas greves de mineiros ocorridas na Inglaterra em 1984/85, a banda (com dois membros da formação original, Jon Langford e Tom Greenhalg) ressurgiu com Fear And Whiskey, aplaudido por muitos como o melhor álbum da década.

Freqüentemente considerado como o início do country alternativo (uma idéia errada, pois deixa de fora os trabalhos de X, Jason And The Scorchers e The Meat Puppets), este disco não é um country punk dançante convencional, porque inclui parcelas generosas de punk, folk, pop, dub e country. Com certeza há o incessante violino de Susie Honeyman, e "Darkness And Doubt" é uma valsa honky-tonky, mas no máximo diríamos que é country tocado por punks ingleses com uma paixão por Merle Haggard.

É esse conflito que lhe dá um toque de vanguarda dissonante e, soando como um choque frontal entre Gang Of Four, The Redskins, The Pogues e Johnny Cash, a banda abre alegremente com "Chivalry" antes do manifesto político de "Trouble Down South", um chamado às armas ameaçador cantado sobre uma rufada militar incessante. "Hard To Be Human Again" é a mais brilhante e amarga música do lado A, mas é no lado B que este LP mostra ao que veio, culminando com o pop perfeito de "Lost Dance" e o cover delirante de "Lost Highway". (Peter Watts)

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01. Chivalry (Mekons)
02. Trouble Down South (Mekons)
03. Hard To Be Human Again (Mekons)
04. Darkness And Doubt (Mekons)
05. Psycho Cupid (Danceband On The Edge Of Time) (Mekons)
06. Flitcraft (Mekons)
07. Country (Mekons)
08. Abernant 1984/1985 (Mekons)
09. Last Dance (Mekons)
10. Lost Highway (Payne)

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Smashing Pumpkins | Siamese Dream (1993)

2008-05-31T21:22:00.003-03:00

"Não acredito que seja necessário sofrer para se fazer boa arte". Um exorcismo de demônios da infância? A obra-prima de um megalomaníaco? Uma hora inteira de maravilhas do hard rock? Siamese Dream é tudo isso e muito mais.

O simples fato de o álbum existir se deve à ambição insana do líder Billy Corgan. Após meses de turnê do álbum Gish (1991), ele assumiu inteiramente a responsabilidade por uma continuação quando seus companheiros de banda não se interessaram por um "estranho plano genial [...] para sermos os mais pesados, mais durões, mais roqueiros [...]". Ironicamente — dado que o título se refere a "viver em um estado de sonhos, uma conexão orgânica entre as pessoas", a banda mal estava se falando.

As contribuições do guitarrista James Iha e da baixista D'Arcy Wretsky são tema para debate; é dito que Corgan tocou a maioria dos instrumentos sozinho. O baterista Jimmy Chamberlin acrescentou mais caos com um excesso extracurricular.

O tal plano a respeito dos "mais pesados, mais durões, mais roqueiros", contudo, foi levado a cabo de forma extraordinária por "Cherub Rock" e "Geek U.S.A.". E a grandiosa "Silverfuck" realiza o objetivo de Corgan de "juntar o poder do Black Sabbath com a dinâmica do Led Zeppelin com o psicodelismo do Pink Floyd". Mas são os momentos melódicos que garantem a imortalidade de Siamese Dream: a ressonante "Today", "Disarm", que é impulsionada pelos violinos, e a canção de ninar "Luna".

No que diz respeito às letras, Corgan confronta fantasmas do passado em "Disarm" (seus pais) e "Spaceboy" (seu irmão portador de deficiência), joga uma rede poética em "Mayonaise" e abre feridas em "Soma" (cujo assunto mais tarde se tornou sua ex-mulher). Esta última música conta com a participação de Mike Mills, do R.E.M., que declarou a respeito do disco: "É um grande disco com ou sem mim". Estava absolutamente certo. (Bruno MacDonald)

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01. Cherub Rock (Corgan)
02. Quiet (Corgan)
03. Today (Corgan)
04. Hummer (Corgan)
05. Rocket (Corgan)
06. Disarm (Corgan)
07. Soma (Corgan, Iha)
08. Geek U.S.A. (Corgan)
09. Mayonaise (Corgan, Iha)
10. Spaceboy (Corgan)
11. Silverfuck (Corgan)
12. Sweet Sweet (Corgan)
13. Luna (Corgan)

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The Undertones | Hypnotised (1980)

2008-05-31T19:22:00.001-03:00

Com "More Songs About Chocolate And Girls" (o título é uma referência indireta aos Talking Heads), os Undertones estavam rindo de si mesmos só para o caso de alguém achar que este notável grupo de powerpunk proveniente de Derry, na Irlanda do Norte, de fato acreditava na publicidade miraculosamente boa que estava recebendo.

Gravado na Holanda, depois de sua primeira turnê pelos Estados Unidos, Hypnotised é provavelmente melhor do que o disco anterior em termos de qualidade, animação, e da intangível essência que tantos tentaram criar ou mesmo definir. É verdade que algumas músicas são quase um rascunho, incluindo o tema de abertura, meio atrapalhado (ainda que divertido), assim como a alegre "See That Girl". Mas o álbum também possui músicas consistentes, como "Whizz Kids", "Girls That Don't Talk" e "Boys Will Be Boys", a música perfeita que dá nome ao disco, além da simplesmente genial "Tearproof", com seu alegre break instrumental. Qualquer crítica se cala quando os Undertones soam.

Acrescente a isso os singles fantásticos — a canção pop mais triste já escrita, "Wednesday Week", e a bem-humorada "My Perfect Cousin" — e o resultado é um álbum com um pop de qualidade comparável às compilações de sucessos de muitos outros grupos.

As reedições recentes contêm um single não incluído no LP, o fabuloso "You've Got My Number (Why Don't You Use It?)". Infelizmente essa jóia vem acompanhada de quatro lados B absolutamente dispensáveis. (David Nichols)

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01. More Songs About Chocolate And Girls (D. O'Neill)
02. There Goes Norman (J. O'Neill)
03. Hypnotised (D. O'Neill, Bradley)
04. See That Girl (J. O'Neill)
05. Whizz Kids (D. O'Neill)
06. Under The Boardwalk (Young, Resnick)
07. The Way Girls Talk (J. O'Neill, Sharkey)
08. Hard Luck (J. O'Neill, Bradley, D. O'Neill, Sharkey, Doherty)
09. My Perfect Cousin (D. O'Neill, Bradley)
10. Boys Will Be Boys (J. O'Neill, D. O'Neill)
11. Tearproof (J. O'Neill, D. O'Neill)
12. Wednesday Week (J. O'Neill)
13. Nine Times Out Of Ten (J. O'Neill, Doherty)
14. Girls That Don't Talk (J. O'Neill)
15. What's With Terry? (D. O'Neill)
16. You've Got My Number (Why Don't You Use It?) (J. O'Neill)
17. Hard Luck (Again) (J. O'Neill, Bradley, D. O'Neill, Sharkey, Doherty)
18. Let's Talk About Girls (Freiser)
19. I Told You So (J. O'Neill)
20. I Dont Wanna See You Again (J. O'Neill)

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The Jam | Sound Affects (1980)

2008-05-31T19:18:00.006-03:00

O "adolescente irritado" é uma figura central na cultura britânica do pós-guerra, desde Jimmy Porter à peça teatral de John Osborne, Look Back In Anger, de 1956, chegando à explosão punk no final dos anos 70.

Poucas bandas exploraram esta situação com tanta perspicácia quanto o The Jam. Com um leque de discos cada vez mais autoconfiantes e pungentes, seu incendiário cantor, guitarrista e principal compositor, Paul Weller tornou-se o bardo dessa raiva, expressando sonhos e frustrações tipicamente ingleses.

O disco anterior da banda, Setting Sons, chegou no quinto lugar nas paradas e deu origem a dois singles que alcançaram o primeiro lugar nas paradas, mas os EUA não estavam prestando muita atenção, afastados pelo ponto de vista eminentemente britânico do The Jam. Depois de sair dos estúdios Townhouse com o disco seguinte, a banda foi um pouco criticada por suas evidentes referências a marcos do rock inglês, como ter usado a linha de baixo de "Taxman", dos Beatles, em "Start!". Essas críticas, contudo, não compreenderam as intenções de infundir elementos que davam uma qualidade criativa ao álbum (a própria capa imita um antigo disco de efeitos da BBC que Weller encontrou no estúdio). Na realidade, Sound Affects é incrivelmente original.

Ainda que não seja formalmente um álbum conceitual, quando vistas em conjunto as músicas formam um retrato da decepção e do desapontamento que são elementos centrais na queixa do "adolescente zangado". Do consumismo vazio em "Pretty Green" à dor amarga de "Scrape Away", o ouvinte entra num mundo de potenciais não realizados. No centro de tudo isso está "That's Entertainment", que, com a litania das chateações diárias, capta a essência do que fez dessa banda algo tão importante. (Tim Sheridan)

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01. Pretty Green (Weller)
02. Monday (Weller)
03. But I'm Different Now (Weller)
04. Set The House Ablaze (Weller)
05. Start! (Weller)
06. That's Entertainment (Weller)
07. Dream Time (Weller)
08. Man In The Corner Shop (Weller)
09. Music For The Last Couple (Weller, Buckler, Foxton)
10. Boy About Town (Weller)
11. Scrape Away (Weller)

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